La balade anglaise « The Death of Queen Jane »

Jane Seymour par Hans Holbein the Younger

Jane Seymour par Hans Holbein the Younger

Jane Seymour (v.1508 – 1537), troisième épouse du roi Henri VIII, a été reine d’Angleterre de leur mariage en 1536 jusqu’à sa mort l’année suivante. Catherine d’Aragon, la première épouse d’Henri, n’avait pas réussi à produire un héritier mâle au trône, ce qui a conduit à son bannissement de la cour après que la demande d’Henri pour l’annulation du mariage ait été refusé par le pape Clément VII. En représailles, Henri VIII institua la Réforme anglaise où l’Église d’Angleterre se détacha de l’autorité du pape et de l’Église catholique. Henri a sanctionné la destruction complète de tous les sanctuaires des saints. Tous les moines dissidents ont également été exécutés. En 1542, les monastères restants de l’Angleterre ont tous été dissous, et leurs biens transférés à la Couronne.

Henri VIII s’est marié six fois et sa deuxième femme, Anne Boleyn, a fait trois fausses couches, tous des fils, et est tombée en disgrâce avec le roi. Henri commença à courtiser Jane Seymour et, pour l’épouser, il a dû trouver des raisons de mettre fin à son mariage avec Anne. Il a fait enquêter sur Anne pour haute trahison et elle a finalement été décapitée sur de fausses accusations d’adultère, d’inceste et de complot pour tuer le roi. Henry a ensuite été fiancé à Jane le lendemain de l’exécution d’Anne Boleyn.

Taylor

Richard et une de ses guitares Taylor

Le règne bref mais significatif de la reine Jane a mené à la naissance d’un héritier mâle, Edward VI, dans des circonstances très difficiles. La ballade anglaise « The Death of Queen Jane » parle de la mort de Jane Seymour après la naissance du prince Edward. La plupart des versions du chant se terminent par le contraste entre la joie de la naissance du Prince et la douleur de la mort de la Reine. Aucune preuve directe ne démontre exactement comment Jane Seymour a accouché, mais la vision populaire d’une naissance par césarienne est peu probable, quoique omniprésente dans les versions de la pièce. En général, on opérait seulement une mère déjà décédée, dans l’espoir désespéré de sauver l’enfant. On croit historiquement que le prince Edward est né naturellement et que sa mère a succombé à une infection et est morte 12 jours plus tard.

Francis James Child, domaine public

Francis James Child, domaine public

La chanson « The Death of Queen Jane » subsiste encore aujourd’hui en grande partie grâce à l’œuvre de Francis James Child (1825-1896). Child était un érudit, un éducateur et un folkloriste américain, surtout connu pour sa collection de ballades anglaises et écossaises maintenant connues sous le nom de Child Ballads. « The Death of Queen Jane » est la Child Ballad 170. La première apparition de la chanson semble être une publication appelée The Lamentation of Queen Jane, sous licence en 1560.

Dans la bibliothèque de Harvard, Child a accumulé l’une des plus grandes collections de folklore qui existent, a étudié des manuscrits plutôt que des versions imprimées de vieilles ballades, et a étudié des chansons et des histoires dans d’autres langues qui étaient liées aux ballades anglaises et écossaises. Son dernier recueil, intitulé The English and Scottish Popular Ballads, contient 305 ballades. Les mélodies de la plupart de ces ballades ont été recueillies et publiées par Bertrand Harris Bronson (1902-1986), professeur au département d’anglais de l’Université de Californie à Berkeley, dans et autour des années 1960.

Richard Séguin – voix, guitare acoustique, mandoline

Pour entendre la pièce, cliquez sur le titre de la chanson ci-bas.

The Death of Queen Jane

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Les Ravens jouent « Queen Jane Approximately » de Bob Dylan

Richard

Richard

« Queen Jane Approximately » est une chanson de Bob Dylan tirée de l’album intitulé « Highway 61 Revisited », publié en 1965. L’autoroute 61 s’étend de la Nouvelle-Orléans, en Louisiane, jusqu’au Wyoming, au Minnesota, traversant tout le pays du nord au sud. L’autoroute est souvent appelée la Blues Highway en raison de sa longue histoire dans la musique blues, une partie de la route étant allongée sur le Blues Trail du Mississippi.

En 1965, j’avais déjà commencé à jouer de la guitare, tout comme deux de mes meilleurs amis, Martin Cunningham et Pierre Lafleur. Un autre ami, Roch Tassé, jouait de la batterie et joue toujours sur ce site. On a formé une orchestre qu’on a nommé les Ravens. Tous les quatre, nous étions habillés en noir – cols roulés noirs, pantalons noirs, bas noirs, souliers noirs. Plus de 50 ans plus tard, mes amis de jeunesse sont toujours mes amis. Des amis pour la vie.

Marty

Marty

Au fil des annés, il y a eu beaucoup de spéculations sur l’identité de la reine Jane, les options populaires étant lady Jane Grey, qui a occupé le trône d’Angleterre pendant 9 jours et a été décapitée pour trahison en 1553 alors qu’elle était encore adolescente; Jane Seymour, reine d’Angleterre et troisième épouse d’Henri VIII qui mourut en couches en 1537; et Joan Baez, chanteuse populaire des années 60 romantiquement liée à Dylan.

« Queen Jane Approximately » est l’une des nombreuses chansons de Dylan de l’époque qui comportaient des adverbes et d’autres qualificatifs dans leurs titres. Des exemples sont « Absolutyely Sweet Marie », « Obviously 5 Believers », « Most Likely You Go Your Way And I’ll Go Mine », « Positively Fourth Street » et d’autres. Dylan n’a jamais révélé la raison de cette préoccupation particulière.

Roch

Roch

En 1965 et 1966, Dylan a sorti trois albums qui allaient changer à jamais le visage de la musique contemporaine. « Bringing It All Back Home », « Highway 61 Revisited » et « Blonde On Blonde » ont constitué le cœur du meilleur travail de Dylan. Musicalement, il a collaboré avec les meilleurs musiciens de studio de Nashville ainsi qu’avec des dignitaires du rock et du blues de The Band et du Paul Butterfield Blues Band. Sur le plan lyrique, les mots venaient d’un autre monde, un qui a finalement été reconnue pour son éclat unique et qui a valu à Dylan le prix Nobel de littérature 2016. « Queen Jane Approximately » fait partie intégrante de cette production imposante qui rivalise et dépasse même celle de n’importe quel artiste dans n’importe quelle discipline.

Richard Séguin – voix, guitare électrique, contrebasse électrique
Martin Cunningham – guitare acoustique
Roch Tassé – batterie

Pour entendre la pièce, cliquez sur le titre de la chanson ci-bas.

Queen Jane Approximately

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Blues My Naughty Sweetie Gives To Me

La partition originale 1919

La partition originale 1919

« Blues My Naughty Sweetie Gives To Me » a été écrit en 1919 par Carey Morgan (1884-1960), Charles McCarron (1891-1919) et Arthur Swanstrom (1888-1940), des compositeurs et paroliers de Tin Pan Alley. La pièce fut enregistrée la même année par le chanteur Irving Kaufman (1890-1976), un artiste très populaire qui a chanté avec des grands noms du jazz comme Bix Beiderbecke (1903-1931) et Eddie Lang (1902-1933). Tin Pan Alley fait référence à un quartier de New York où les éditeurs de musique, les paroliers et les auteurs-compositeurs opéraient à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle.

La fin de la Grande Guerre apporta beaucoup de jubilation au public américain et, en peu de temps, les années folles et l’ère du jazz ont fait leur entrée impudente. La transition fut rapide et vertigineuse. La musique de l’immédiat après-guerre favorisait encore les refrains sentimentaux et souvent banals du vaudeville avec des nuances de ragtime mais, en 1925 et les premiers enregistrements électriques de musique populaire, cette sentimentalité avait disparu et avait été remplacée par une sorte de fête très contemporaine. De nombreuses chansons du début de l’après-guerre, comme « Blues My Naughty Sweetie Gives To Me », employaient une intro lente aux délibérations plus animées qui suivaient, mais ces intros ont rapidement été abandonnées et n’ont pas refait surface dans aucun enregistrement subséquent.

Ma guitare Taylor 30e anniversaire

J’ai entendu « Blues My Naughty Sweetie Gives To Me » pour la première fois dans les années 1960, dans le cadre du répertoire extraordinaire du Jim Kweskin Jug Band. C’était une pièce courte et dynamique, livré avec enthousiasme par le groupe. Ce n’est que par ma recherche sur l’œuvre que j’ai finalement entendu l’intro qui faisait partie de sa première incarnation. L’intro est certainement datée et je peux même comprendre pourquoi tout le monde a décidé de l’ignorer depuis les derniers 100 ans. Cependant, je ne suis certainement pas d’accord avec la pratique.

L’histoire, dans toute discipline, est le dépositaire de toutes les connaissances humaines. C’est tout ce que nous avons. Par conséquent, il est à mon avis une très grave erreur de le réécrire ou de modifier les faits de quelque façon que ce soit. Si un langage musical tombe en défaveur à une époque plus moderne, n’est-ce pas le comble de l’arrogance que de simplement l’effacer? Les gens contemporains sont-ils supérieurs à ceux qui sont venus avant? Il n’est donc pas surprenant que j’ai choisi de jouer « Blues My Naughty Sweetie Gives To Me » dans sa forme originale, avec son intro peut-être banale pour certains mais tout à fait légitime.

Richard Séguin – voix, mandoline, guitare acoustique, contrebasse électrique, kazoo

Pour entendre la chanson, cliquez sur le titre ci-dessous.

Blues My Naughty Sweetie Gives To Me

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« Gates of Eden » de Bob Dylan

Richard

Richard

Les années 1960 étaient une époque très différente où les musiciens populaires ne dansaient pas. Ils n’avaient pas à s’habiller de vêtements bizarres, ni jouer dans des arènes gigantesques avec des spectacles de lumière et des présentations multimédias. Ils se tenaient debout ou assis, jouaient leurs instruments et chantaient dans un microphone. Et presque tous avaient quelque chose à dire.

Je me souviens quand la nouvelle d’un chanteur du nom de Bob Dylan est arrivée au Canada. J’avais 13 ans. Le mot partout était qu’il chantait des choses socialement importantes que les gens de ma génération apprécieraient : la paix, les droits civiques et la conviction universelle que les jeunes changeraient le monde. Puis, en 1965, quand personne ne s’y attendait, les choses ont réellement changé.

Alrick

Alrick

Auparavant, les chansons de Dylan étaient simplement mises devant toi – rien n’était caché, rien n’était obscur. Mais un changement a commencé à nous assombrir avec l’album « Bringing It All Back Home », en 1965, qui présentait des chansons très différentes et même troublantes. Les paroles ont commencé à être plus surréalistes et non linéaires. Quand j’ai entendu « Gates of Eden » sur cet album, je me suis demandé où nous menait cette toute nouvelle direction musicale. J’étais un jeune intélligent de 15 ans, mais je ne comprenais pas la juxtaposition de mots anglais simples qui coulaient dans un paysage étrange de nuages forestiers à quatre pattes, de lampadaires avec les bras croisés et des griffes de fer, de bébés gémissants, de navires avec des voiles tatouées, de nains en flanelle grise, tout cela exposé à l’extérieur des portes d’Eden, où aucun son ne s’ échappait, un endroit où il n’y avait pas de rois, pas de péchés, pas d’épreuves. Venu sur les traces des chansons précédentes de Dylan, quelque chose d’aussi obscur que « Gates of Eden » ne convenait tout simplement pas.

Personne ne s’attendait à ce que Dylan sorte 34 chansons, à l’exclusion de 14 autres compositions et des singles comme « Positively 4th Street », sur trois albums distincts (« Bringing It All Back Home », « Highway 61 Revisited » et « Blonde On Blonde », un album double), en un peu plus d’un an. Cette production artistique inégalée a formé le cœur de l’impact extraordinaire que Dylan a eu sur la culture contemporaine et a créé un chemin menant directement à son prix Nobel de littérature, décerné en 2016.

Roch

Il faut noter que certaines de ces chansons duraient plus de 10 minutes, ce qui était controversé à l’époque. Les chansons de plus de 3 minutes ne correspondaient pas à la plateforme commerciale d’une station de radio. Pour échapper à cette contrainte, certains disc-jockeys ont créé ce qu’on connaissait comme la « radio underground », où de longues chansons plus controversées étaient jouées, souvent au petites heures du matin. À Ottawa, la contribution de Brian Murphy, qui a créé une émission de nuit les fins de semaine appelée Free Form Radio sur la station CKBY-FM d’Ottawa, doit être soulignée et appréciée.

Je me suis souvent demandé où cette explosion de conscience de Dylan aurait pu le mener, n’eût été d’un accident de moto qui l’a laissé avec une vertèbre cassée et une commotion cérébrale, le 29 juillet 1966. Il ne fut jamais le même par après et beaucoup disent que l’accident l’a empêché de poursuivre son style de vie auparavant imprudent et potentiellement destructeur. Certes, les chansons ultérieures de Dylan, dont beaucoup sont superbes à part entière, n’ont jamais égalé les pièces de ces trois albums du milieu des années 60. J’ai l’intention de revenir sur cette époque exquise dans mes prochaines publications sur le site.

Mon arrangement de « Gates of Eden » met en vedette notre trio, avec Roch Tassé à la batterie et Alrick Huebener à la basse. Nous jouons « Gates of Eden » en l’honneur de trois des musiciens les plus remarquables de notre époque, soit Pat Metheny (guitare, né en 1954), Jaco Pastorius (basse, 1951-1987) et Peter Erskine (batterie, né en 1954).

Richard Séguin – voix, guitare 12-cordes acoustique
Alrick Huebener – contrebasse électrique
Roch Tassé – batterie

Gates of Eden

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« Sitting on a Fence » des Rolling Stones

Richard et sa mandoline Eastman

Richard et sa mandoline Eastman

Lorsque les Rolling Stones ont fait leur entrée en Amérique du Nord en 1964, ils ont apporté avec eux du blues et du R&B américain, avec quelques compositions originales, le tout aussi cru et électrique que possible. À mesure que la décennie avançait, de nombreux groupes de rock, tant américains que britanniques, ont commencé à tempérer leur répertoire électrique avec des chansons plus acoustiques, probablement une autre influence de Dylan.

« Sitting on a Fence » a été enregistré à la fin de 1965, à Los Angeles, pendant les sessions de l’album « Aftermath », mais n’a pas été publié dans les éditions britanniques ou américaines de cet album. La chanson est arrivée en Amérique du Nord sur l’album « Flowers » à l’été de 1967, le très médiatisé « Summer of Love » qui a introduit le phénomène social des « hippies » au monde. La chanson était un départ pour les Stones, avec une instrumentation à saveur de bluegrass.

Je me souviens d’avoir entendu les paroles de la chanson et d’avoir pensé que, quand j’étais jeune, j’étais l’opposé direct du personnage de Jagger qui chantait la chanson. Ma sœur aînée m’apportait parfois une petite bagatelle d’un rendez-vous à Ottawa avec son futur mari, une petite boule de caoutchouc bleu, blanc, rouge ou un petit animal en peluche. C’était le paradis pour moi – les enfants de notre grande famille n’avaient pas l’habitude d’être choyés. J’ai également été élevé catholique, donc, contrairement aux paroles de la chanson, j’étais très facile à plaire et je savais définitivement la différence entre le bien et le mal.

Quand j’ai eu 18 ans, les choses avaient changé. Je n’avais aucune idée de ce que je ferais de ma vie et je ne me voyais pas comme un adulte, vivant seul, se mariant, élevant une famille. Les rêves que j’avais nourris s’étaient dissipés avec les nombreux revers de ma vie – « les frondes et les flèches de la fortune outrée », comme le dit si brillamment Shakespeare. Je me suis retrouvé assis sur une clôture. Je ne pouvais pas m’engager, j’étais en colère et déçu, et je me suis tout simplement résigné à aller là où ma vie m’emmènerait. Je n’ai pris aucune décision pour la prochaine décennie. Donc, cette chanson qui était si différente de moi quand j’étais jeune, a fini par me faire comme un gant en tant que jeune adulte.

Je dédie cette chanson à tous les hommes, femmes et enfants des comtés unis de Prescott et Russell, dont beaucoup ont été durement touchés par notre récente tempête dévastatrice. D’après ce que j’ai vu au cours de mes visites, je sympathise particulièrement avec les municipalités de Hammond et de Bourget, où la dévastation est vraiment très dure.

Richard Séguin – voix, guitares acoustiques, mandoline, contrebasse électrique

Sitting on a Fence

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« Gotta Get Away » par les Rolling Stones

Richard

Richard

À mon avis, 1965 fut la meilleure année du XXe siècle. J’avais 15 ans et l’école secondaire de Rockland m’avait donné ma première blonde et des amis qui sont de grands amis à ce jour. J’avais commencé à apprendre la guitare et j’ai formé mon premier groupe rock avec trois de ces amis: Marty Cunningham, Pierre Lafleur et Roch Tassé. Nous nous sommes appelés Les Ravens, d’après Poe, et on portait le pantalon noir, les bas noirs et un chandail à col roulé noir sur scène. Nous avons joué une danse à l’école secondaire et par après, la retraite! Pour entendre les Ravens d’aujourd’hui jouer « The Last Time », un grand succès des Rolling Stones, cliquez ici.

Marty

Marty

Roch, un batteur et percussionniste formidable, a joué sur mes premiers albums dans les années 1970 et a aussi joué pour plusieurs groupes locaux. Nous vivons présentement assez loin l’un de l’autre mais nous sommes toujours de très bons amis et Roch collabore régulièrement sur ce site Web. Bien que le chemin de Pierre l’ait éloigné de la musique, Marty, Pierre et moi sommes amis pour la vie et nous nous rencontrons régulièrement pour un brunch.

Linda

Linda

Nous nous réunissons maintenant, augmenté de Linda Challes qui réside avec Roch au studio Howlin’ Huskies, Ste-Cécile-de-Masham, Qc, pour jouer une autre chanson des Rolling Stones, « Gotta Get Away », qui est sortie en 1965, tout comme « The Last Time » et sans oublier « Nowhere Man » des Beatles, « Like a Rolling Stone » de Dylan et « (I Can’t Get No) Satisfaction » de … eh oui, The Rolling Stones, qui étaient partout en 1965. C’était vraiment une année exceptionnelle.

Roch

Roch

À partir de 1964, des groupes de musique rock et pop du Royaume-Uni sont devennus populaires en Amérique du Nord et contribuairent à la montée de la « contre-culture » des deux côtés de l’océan Atlantique. Les Beatles ont mené cette supposée « invasion britannique » suivi par des groupes tels que les Rolling Stones, les Zombies, les Kinks, les Animals, les Yardbirds, le Who et Them (avec Van Morrison.) « Gotta Get Away » est sorti sur l’album du Royaume-Uni « Out Of Our Heads », sur l’album du Canada et des États-Unis « December’s Children » et comme face B du 45 tours « As Tears Go By ». À l’époque, les albums publiés au Royaume-Uni étaient différents de ceux publiés ailleurs. Les 45 tours étaient publiés parce que des chansons idividuelles populaires étaient jouées à la radio et les 45 tours étaient beaucoup moins chers que les albums, qui contenaient des chansons que la plupart des gens ne connaissaient pas. Par conséquent, « Gotta Get Away » est l’une des chansons les moins connues des Stones.

« Gotta Get Away » est typique de la représentation lyrique du mécontentement, du manque de respect et de la misogynie des Rollings Stones, qu’ils ont encouragés dès leurs débuts. Après une série de reprises blues et R&B qui ne laissaient planer aucun doute quant à leur attitude, ils ont sorti « It’s All Over Now » en 1964, suivi de chansons aussi acerbes que « Time Is On My Side », « Heart Of Stone », « The Last Time », « Play With Fire », « (I Can’t Get No) Satisfaction », « Get Off Of My Cloud », « Gotta Get Away », « Paint It Black », « Stupid Girl », « No Expectations » et « Under My Thumb », pour ne nommer qu’elles. C’était un message très puissant pour certains des jeunes les plus influençables que je connaissais et certains le prenaient vraiment au sérieux. Je me souviens d’un jeune d’Ottawa qui était grand et mince, qui portait un long manteau noir qui lui allait jusqu’aux chevilles, un jean noir, un t-shirt noir, des bottes d’armée noires et même ses longs cheveux étaient teints noir. Il aimait les Rolling Stones et sa vie était alimentée par la profonde négativité de leurs paroles. Il était la personnification même de « Paint It Black ».

En tant que membres actifs des Ravens, Roch, Marty et moi avons l’intention de présenter d’autres chansons de notre jeunesse sur ce site.

Richard Séguin – voix, guitares électriques, contrebasse électrique
Marty Cunningham – guitare acoustique, percussion (clappements de mains)
Linda Challes – percussion (clappements de mains)
Roch Tassé – batterie, percussion (clappements de mains)

Gotta Get Away

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« Burden » de Chris Stapleton

Richard

Richard

Chris Stapleton (n. 1978) est un auteur-compositeur, instrumentiste et producteur de disques américain du Kentucky dont le travail a été récompensé par cinq Grammy Awards, sept Academy of Country Music Awards et dix Country Music Awards. En tant que chanteur, sa voix ténor est également adaptée au R&B et à d’autres genres. Sa chanson « Burden » fait partie de la bande sonore du film du même nom.

Le film « Burden » traite de Mike Burden (n. 1970), un orphelin élevé par le Ku Klux Klan dans la petite ville de Laurens, en Caroline du Sud. Comme tous les autres pris dans cette culture raciste, il a grandi violent et haineux de tous sauf les siens. Ce n’est que grâce à la compassion d’un ministre noir nommé le révérend David Kennedy que la vie de Burden a changé radicalement. Quand ils se sont rencontrés pour la première fois à Laurens, Burden était le grand dragon du KKK local et Kennedy était un pasteur afro-américain qui avait grandi dans des logements ségrégués. À l’époque, Kennedy tentait de lutter contre l’existence du magasin Redneck Shop de la petite ville, un magasin qui était l’idée de Burden et qui vendait des souvenirs racistes tout en accueillant un musée non officiel du KKK.

Après avoir rencontré sa première épouse, Judy Harbeson, Burden a commencé à remettre en question son implication dans le KKK. Le Klan a riposté contre Burden pour s’être rebellé contre eux. Burden et Harbeson ont été chassés de l’appartement qu’ils avaient loué d’un membre du Klan et, sans nulle part où aller, Burden, Harbeson et ses deux enfants se sont retrouvés au poste de police de Laurens, suppliant pour de l’aide. Incroyablement, Kennedy a offert de les héberger, disant qu’il voyait un père et un mari essayant de protéger sa famille contre le Klan.

Le film de 2018 « Burden » a été écrit et réalisé par Andrew Heckler et raconte les événements de la vie de Mike Burden. Destiné à être un effort à petit budget, le film a reçu un énorme coup de pouce lorsque Tom Wilkinson et Forrest Whittaker, deux acteurs de classe mondiale, ont décidé de participer au projet.

Richard Séguin – voix, guitare acoustique, mandoline

Burden

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« Blue Mountains » de Sam Amidon

Sam Amidon (né en 1981) est un chanteur, compositeur et multi-instrumentiste américain du Vermont, né de parents musiciens folkloriques. Son nom de famille est d’origine française. Amidon fait de nombreuses tournées dans le monde entier depuis New York comme base.

Sa chanson « Blue Mountains » a été incluse dans l’album « Lilly-O », qu’Amidon a enregistré en 2014 à Reykjavik avec l’ingénieur du son islandais Valgeir Sigurðsson. L’album présente également, parmi d’autres musiciens talentueux, le maître guitariste Bill Frisell.

Les montagnes Blue Ridge[/caption]Les Blue Mountains sont généralement appelées les Blue Ridge Mountains, une grande chaîne de montagnes des Appalaches. La région d’Alleghenies est la partie accidentée ouest-centrale des Appalaches.

Une grande part de la musique d’Amidon consiste à retravailler des chansons folkloriques traditionnelles, faisant ressortir leurs qualités chimériques et puissantes. Ses parents ont joué et enregistré dans les premières formes et traditions de la Harpe Sacrée, communes à la musique chorale sacrée et à la musique religieuse américaine rurale en général. Leur influence sur la musique de leur fils est significative.

Dans les Appalaches, un type particulier de ballade qui souligne les tragédies est venu au premier plan durant le 19e siècle. Les accidents ferroviaires, les désastres miniers et les meurtres sont devenus le sujet de nombreuses chansons populaires – des dizaines ont été écrites sur le naufrage du Titanic à lui seul. Le meurtre étant une activité purement humaine, ces chansons sont devenues très populaires et étaient connues sous le nom de « ballades de meurtre  ». Les ballades de meutre ont vu le jour à l’époque pré-moderne en Scandinavie, en Angleterre et dans les basses terres d’Écosse. Ces ballades sont arrivées aux États-Unis avec des colons européens, dont plusieurs ont habité les Appalaches, une région culturelle de l’est des États-Unis qui s’étend de l’État de New York à l’Alabama et à la Géorgie.

On pourrait dire que la chanson « Blue Mountains » est une ballade de meurtre, bien que le meurtre ne soit jamais mentionné ouvertement dans la chanson. Au mieux, il s’agit de liaisons illicites – un homme marié attire une jeune fille dans la forêt sauvage, « au-delà de sombres fenêtres de cabane où les yeux ne voient jamais ». Le mal est palpable.

Le traitement de la mort dans les premières chansons des Appalaches est quelque chose que la plupart d’entre nous n’avons jamais connu. Au 19ème siècle, pas moins de 46% de tous les bébés mouraient avant leur 5ème anniversaire. Les taux de mortalité infantile sont plus élevés dans les Appalaches rurales que dans d’autres parties des États-Unis. Le faible revenu, l’isolement géographique et les faibles niveaux d’éducation de la région réduisent tous l’accès aux soins médicaux modernes. Les croyances populaires et les superstitions, un très mauvais substitut aux soins médicaux, continuent d’influencer les pratiques de naissance : une colombe du matin à l’extérieur de la fenêtre est considérée comme un mauvais présage, tout comme l’est un membre du ménage balayant les marches après le coucher du soleil.

Les premiers enregistrements de la musique des Appalaches sont uniques et les bords tranchants de la douleur personnelle et privée émergent des sillons mêmes de ces enregistrements. Les voix ont leurs propres notions de la tragédie. Combien de fois ces gens ont-ils vu, dans leur propre vallée, des personnes innocentes et vertueuses effacées sans raison par des accidents de voiture, des noyades, la tuberculose, un enfant qui tombe dans un puits. La sœur d’A.P. Carter, Etta, était une écolière de 13 ans qui cueillait des fraises un après-midi, fiévreuse au lit la nuit et morte le matin. Il n’y avait pas de raison et, pire que tout, il n’y avait pas de temps pour pleurer. Il y avait d’autres enfants à élever, on devait planter, désherber, cuisiner, coudre, nourrir les porcs, traire les vaches, couper le bois de chauffage. L’auteur le plus célèbre des Appalaches, Thomas Wolfe (1900-1938), d’Asheville, en Caroline du Nord, a décrit la mort de son frère de 12 ans dans son roman « Look Homeward Angel » comme suit : « C’était un garçon tranquille, et il y en avait beaucoup, et il était passé inaperçu. »

Richard Séguin – voix, guitare acoustique, guitare électrique

Blue Mountains

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« Sail Away Ladies » de « Uncle Bunt » Stevens

La vieille pièce traditionnelle de violon intitulée « Sail Away Ladies » a été incluse dans la compilation novatrice de six albums lancée en 1952 par Harry Smith sous le nom de Anthology of American Folk Music, une collection qui a jouée un rôle déterminant dans l’essor du renouveau folk des années 1950 et 1960. Bien que « Sail Away Ladies » a été enregistré pour la première fois en 1926 par John L. « Uncle Bunt » Stevens (1879-1951), la pièce a ses origines dans les îles britanniques du XVIIIe siècle. Le jeu magnifique de l’oncle Bunt, avec ses échos des violons cajuns de la Louisiane, évoque le son des activités folkloriques d’une époque lointaine, des tâches comme le décortiquage du maïs, les levées de granges, les parties de courtepointe et les divertissements comme les danses carrées. C’est, pour moi, l’un des meilleurs enregistrements de la première moitié du XXe siècle.

John Stephens a été agriculteur pendant la majeure partie de sa vie. Il est rapidement devenu célèbre en 1926 lorsqu’il a participé à des compétitions régionales de violon traditionnel et a ensuite remporté le titre de champion du monde du violon traditionnel, devançant 1 876 autres violoneux dans la série de concours du magnat de l’automobile Henry Ford. Les compétitions ont eu lieu chez les concessionnaires Ford à travers l’Est et le Midwest et les gagnants des concours locaux ont été amenés à Detroit pour jouer dans la ronde de championnat. Le prix de Stephens aurait été de 1 000 $, un nouveau complet, une voiture et un nouveau dentier. Après avoir enregistré quatre 78 tours pour Columbia Records et effectué une courte tournée avec quelques apparitions sur la scène du Grand Ole Opry, l’oncle Bunt a pris sa retraite de la vie publique et est retourné à sa ferme dans le comté de Bedford, au Tennessee.

Les paroles de la chanson proviennent d’un enregistrement de l’oncle Dave Macon en 1927. Les paroles de l’oncle Dave sont essentiellement absurdes mais amusantes. J’ai choisi d’incorporer dans ma version de la pièce les paroles des versions afro-américaines de “Sail Away Ladies. » Pour en savoir plus sur l’oncle Dave Macon et sa musique, cliquez ici.

Bien que « Sail Away Ladies » ait été enregistré des centaines de fois par des centaines d’artistes, presque toutes les versions disponibles sont identiques. L’exception notable est un enregistrement de 1957 d’Odetta (Holmes,1930-2008), une merveilleuse interprétation folk/blues relaxe. J’ai basé ma version de la chanson exclusivement sur les enregistrements de l’oncle Bunt et d’Odetta. J’ai également choisi d’utiliser ma nouvelle mandoline exclusivement sur cette pièce. Après tout, les mandolines et les violons sont accordés de la même façon.

La fanfare de Rockland

La fanfare de Rockland

Quand j’avais 11 ans, ma mère n’aimait pas mon comportement maussade suite à la mort de mon frère Gabriel et m’a inscrit dans la fanfare de Rockland. J’ai joué du baryton pendant deux ans et je me souviens qu’un copain plus judicieux assis à côté de moi me disait toujours de ne pas jouer si fort ! Je n’aimais pas la formalité rigide d’apprendre à lire la musique et à jouer des compositions d’une manière prédéterminée. Je voulais jouer comme mon frère avait joué et son jeu, influencé par son héros Jerry Lee Lewis, était abandonné et très loin du rigide. Pour moi, c’est ainsi que la musique devait être jouée et quand mon frère Robert m’a guidé vers la guitare en 1963, j’ai appris à jouer comme mon frère Gabriel. Je n’ai jamais voulu jouer quelque chose qui serait identique à ce que les autres musiciens jouaient. Mon style de jeu est autodidacte et certainement pas aussi habile que d’autres joueurs mais c’est le mien et c’est la manifestation vivante du don que mon frère Gabriel m’a laissé.

Après de nombreuses auditions des enregistrements de l’oncle Bunt et d’Odetta, absorbant l’essence de « Sail Away Ladies », j’ai procédé à des enregistrements d’essai de la chanson comme elle m’est venue. J’ai été très surpris quand mon enregistrement gravitait vers un beat de Bo Diddley ! Mélanger du Bo Diddley (Ellas McDaniel, 1928-2008) avec des airs de violon peut être sacrilège mais j’ai toujours aimé Bo donc j’aimais les résultats. De plus, le 31 décembre dernier, j’ai découvert que la veille du Nouvel An était aussi l’anniversaire de Bo Diddley… et d’Odetta ! J’ai cru que c’était un signe ou une sorte de consentement cosmique, donc je suis allé de l’avant avec ma version. Pour plus d’informations sur Bo Diddley et sa musique, cliquez ici.

Le musicien le plus naturel et le moins sophistiqué que j’ai connu était Alcide Dupuis (1928-2008), un violoneux de Rockland. Oui, j’ai aussi remarqué que les années de naissance et de mort d’Alcide sont identiques à celles de Bo Diddley, comme si j’avais besoin d’un nouveau consentement ! Alcide était un petit lutin d’homme qui a appris à jouer d’un oncle mais il savait seulement où placer ses doigts sur le manche du violon et comment déplacer l’archet pour obtenir les sons qu’il voulait. Alcide ne connaissait ni accords, ni clés, ni notes, ni titres de chansons. Son répertoire comprenait de nombreuses gigues, quadrilles et cotillons qui changeaient de clé en cours de route, le rendant impossible à suivre pour tout autre guitariste local qu’il connaissait. Quand j’ai commencé à jouer avec Alcide, j’avais une bonne oreille et une bonne connaissance de la structure musicale donc j’ai pu le suivre quand il changeait de clé. La première fois que cela s’est produit, Alcide a été étonné – pour la première fois, il entendait ses chansons comme elles étaient censées être jouées. Il était tellement heureux d’avoir trouvé quelqu’un avec qui jouer. Nous avons formé une bonne amitié et nous avons commencé à jouer ensemble, principalement pour des bières dans la taverne de l’hôtel King George à Rockland.

Moi et Alcide en plein vol, 1978

Moi et Alcide en plein vol, 1978


Quand ma carrière d’enregistrement a décollé, on m’a demandé de jouer pour un festival d’automne qui a eu lieu simultanément à la ferme Denis et à l’école secondaire de Plantagenet. J’ai invité Alcide à me rejoindre et je lui ai aussi donné la moitié de la généreuse allocation que j’ai reçue pour le spectacle. Pour Alcide, c’était le grand moment ! Il n’avait jamais été payé pour jouer de la musique de sa vie. Il s’est pointé dans une fabuleuse chemise en soie noire avec un motif de fleurs colorées, un pantalon avec un pli qui aurait coupé l’acier, des chaussures polies et des cheveux tranchés en arrière ! Comme vous pouvez le voir sur la photo, nous avons eu une vraiment bonne soirée. Je n’ai jamais vu deux hommes plus heureux. La guitare que je joue a été faite pour moi en 1976 par Marc Beneteau, un luthier, un bon ami et un guitariste qui a joué avec moi pendant plusieurs années, en concert et sur mes enregistrements.

Voir Alcide se lancer dans une pièce était comme rien d’autre au monde. Ses pièces étaient stockées dans sa mémoire, mais il ne pouvait pas les identifier par titre, clé ou toute autre méthode, alors il grattait son violon jusqu’à ce que les notes le conduisent vers la chanson. Il trouvait son chemin, reliant progressivement les points jusqu’à ce que la mélodie qu’il voulait émerge. Puis, Alcide décollait comme un Boeing 747, conduisant la chanson avec une joie totale, ses pieds tappant des rythmes compliqués en accord avec la musique (il était un « stepper »formidable). Alcide Dupuis était une véritable force de la nature. Il se transformait quand il jouait, son visage se tordant dans un sourire de joie pure. C’était les moments le plus précieux que j’ai jamais eu à jouer de la musique et j’aimerais dédier ma version de « Sail Away Ladies » à la mémoire d’Alcide.

Richard Séguin – voix, mandoline, percussion

Sail Away Ladies

posted by R.A.Seguin in Non classé and have Commentaires fermés sur « Sail Away Ladies » de « Uncle Bunt » Stevens

« My Father’s House » de Bruce Springsteen

L’album de 1982 de Bruce Springsteen intitulé « Nebraska » a commencé par une mesure de contrôle des coûts afin de réduire le temps de studio nécessaire à son E Street Band pour créer de nouvelles chansons. Initialement, Springsteen a enregistré des démos pour l’album chez lui avec un magnétophone 4 pistes. En écoutant les résultats, le consensus était que les chansons étaient très personnelles et que l’essence folk simple et intense présente sur les cassettes élémentaires ne pouvait pas être reproduite ou égalée dans le studio avec la sorte de rock & roll fougueux et expansif que l’E Street Band produisait. Springsteen a alors décidé que ces histoires étaient mieux racontées par un homme, une guitare. C’était une décision audacieuse de sortir les enregistrements initiaux tels quels.

La chanson-titre « Nebraska » fait référence à Charles Starkweather, qui a tué de façon insensée onze personnes au Nebraska et au Wyoming entre décembre 1957 et janvier 1958, alors qu’il avait 19 ans. Pendant sa frénésie, Starkweather était accompagné de sa petite amie de 14 ans, Caril Ann Fugate. La chanson donne certainement le ton pour le reste de l’album : plusieurs des chansons sont dures, violentes et pleines de désespoir. D’autres, comme « My Father’s House », sont profondément personnelles et s’inspirent du passé de Springsteen, en particulier de sa relation compliquée avec son père.

En 2009, plusieurs artistes se sont produits au Centre Kennedy à Washington D.C. pour honorer la vie et la musique de Bruce Springsteen. Au cours des cérémonies, Jon Stewart a fameusement déclaré : « Je crois que Bob Dylan et James Brown ont eu un bébé. Et ils ont abandonné cet enfant sur le bord de la route, entre les échangeurs de sortie de 8A et 9 sur l’autoroute du New Jersey. Cet enfant est Bruce Springsteen. »  Ben Harper a également interprété une version abrégée de « My Father’s House » qui a laissé l’auditoire soit stupéfait ou en larmes. J’ai emprunté ici quelques parties de la brillante interprétation de Harper.

La maison de mon père

La maison de mon père

« My Father’s House » a une signification particulière pour moi et notre famille. Ma sœur Diane est née à la fin de 1951 et mon père savait déjà que sa maison louée à côté d’Annie Powers, le célèbre médecin de notre ville, ne pourrait plus accueillir neuf personnes. Nous serions maintenant six enfants et mon grand-père Villeneuve était également de la famille. Mon père a commencé à construire une maison de sa conception, avec l’aide d’amis, de relations et de voisins, comme cela se faisait dans notre communauté francophone à l’époque. Nous avons emménagé dans notre nouvelle maison en 1952.

Mon enfance, lorsque j’ai grandi dans la maison de mon père, dans notre petite collectivité, était aussi parfaite que n’importe quelle enfance. Nous étions à l’aise. Mes parents avaient leur chambre au rez-de-chaussée et tout les autres dormaient en haut. Mes deux sœurs avaient leur propre chambre, tout comme mon grand-père, et les quatre garçons partageaient une grande chambre avec deux lits doubles – les garçons aînés, Jean-Guy et Gabriel dans un lit, mon frère Robert et moi dans l’autre. Je me sentais toujours en sécurité.

Mon grand-père était un homme d’un autre monde, un contemporain de Wyatt Earp, Jesse James et Mark Twain. Il était aussi fort qu’un boeuf et aussi imposant que les grands pins dans notre cour. Il était gentil et nous construisait des jouets en bois dans l’atelier de mon père au sous-sol. Sa présence impressionante et silencieuse reste toujours avec moi et j’ai écrit une pièce instrumentale en son honneur, que vous pouvez entendre en cliquant ici.

Jean-René Séguin

Jean-René Séguin

Mon père, Jean-René Séguin (1908-1975), était un homme de la Renaissance. Né à Rockland, il a commencé à travailler à l’âge de douze ans, essayant de venir en aide aux besoins de sa famille. C’était le sort de beaucoup de garçons à cette époque. Mon père se levait tôt, déjeunait et marchait jusqu’à la rivière des Outaouais où il avait une chaloupe amarrée sur la rive. Il traversait la rivière, ancrait son bateau et travaillait toute la journée dans l’industrie forestière à Thurso, abattant des arbres et faisant tout autre travail nécessaire. À la fin de la journée, il regagnait le bord ontarien de la rivière et rentrait chez lui pour un souper tardif. On lui payait un dollar par jour.

Même s’il n’avait qu’une éducation de sixième année, mon père comprenait mystérieusement les mathématiques, la trigonométrie et l’algèbre. Il produisait régulièrement des plans pour de nombreux constructeurs locaux et ses plans répondaient toujours à toutes les normes provinciales, à une fraction du coût qu’aurait chargé un architecte professionnel. Il était le seul en ville qui pouvait construire un escalier, une opération très compliquée, la formule impliquant la relation entre les angles inclinés, les angles horizontaux et la hauteur. Son atelier comprenait un tour et il y produisait des choses étonnantes, allant des pieds de table élégants et courbés aux bols à salade en bois bicolore. Il ne s’arrêtait à rien pour prendre soin de sa famille, allant jusqu’au piégeage pour les fourrures. Notre sous-sol avait souvent des fourrures qui séchaient sur des formes en bois et il y avait même au sous-sol une peau d’ours entière que mon frère Robert enfilait pour m’effrayer. Il s’est même intéressé à la taxidermie pour divers clients. Pour sa détente, il construisait des locomotives à l’échelle, installées sur une planche de contre-plasqué, avec des châteaux d’eau, des tunnels, des ponts et des dépôts, le tout fait à l’échelle.

Tous les membres de notre famille ont été chanceux d’avoir un père comme le nôtre. Je joue « My Father’s House » à sa mémoire.

Richard Séguin – voix, guitares acoustiques, mandoline

My Father’s House

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