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« It’s All Over Now, Baby Blue » est une chanson écrite par Bob Dylan qui est apparue sur son album « Bringing It All Back Home » publié le 22 mars 1965. La chanson clôt l’album, qui marque le début de choses à venir pour Dylan et pour la musique populaire en général. « Bringing It All Back Home » est généralement considéré comme l’un des albums des plus éloquents et des plus importants de l’histoire de la musique populaire. L’album a été intronisé au Grammy Hall of Fame en 2006.

Sur la première moitié de l’album, Dylan est accompagné par un groupe électrique – un changement qui l’a aliéné certains de ses pairs dans la communauté de la musique folk, ainsi que de nombreux fans. La seconde moitié de l’album contient des chansons jouées avec son instrumentation folk plus familière. Sur le plan lyrique, l’album s’écarte nettement de ses débuts et met en avant la conscience explosive de Dylan à cette époque, souvent associée à l’utilisation de drogues hallucinogènes.

Beaucoup de spéculations ont entouré qui ou quoi est le « Baby Blue » à qui la chanson dit adieu. Venant comme elle le fait sur la toute dernière piste de l’album, les adieux de Dylan sont tellement sans regrets et brutalement définitifs qu’il semblait, à l’époque, comme si Dylan disait adieu à une époque. Et c’était peut-être le cas.

Dans une séquence fascinante de la façon dont le processus créatif fonctionne parfois, Willie Dixon (1915-1992), qui agissait comme producteur, découvreur de talent, musicien de session et auteur-compositeur pour Chess Records, a parti le bal avec sa magnifique composition « Hoochie Coochie Man », enregistrée pour la première fois par Muddy Waters (1913-1983) en 1954. Cet enregistrement en retour a inspiré Bo Diddley (1928-2008) à écrire et enregistrer son standard du blues « I’m A Man » en 1955. La même année, Muddy répond à Bo avec son enregistrement de « Mannish Boy ». Ces trois chansons de blues très similaires et leur superbe rythme ont inspiré le « rocker » Gene Vincent (1935-1971) à écrire et à enregistrer sa composition « Baby Blue » en 1958, ce qui a inspiré Dylan alors qu’il écrivait « It’s All Over Now, Baby Blue » en 1964. Quel voyage!

Dylan a décrit plus tard l’écriture de sa chanson en disant « J’avais porté cette chanson dans ma tête depuis longtemps et je me souviens que lorsque je l’écrivais, je me souvenais d’une chanson de Gene Vincent. Elle a toujours été l’une de mes préférées, Baby Blue… « When first I met my baby/She said how do you do/She looked into my eyes and said/My name is Baby Blue. » C’était l’une des chansons que je chantais au secondaire. Bien sûr, je chantais à propos d’un autre Baby Blue. »

Voici un extrait live incomparable de Gene Vincent et son orchestre les Blue Caps chantant « Baby Blue » en 1958. Les Blue Caps mettaient en vedette le guitariste Cliff Gallup, un des imstrumentalistes les plus influants des 1950.

https://www.youtube.com/watch?v=YOJrvMN0VK0

Après la sortie de « Bringing It All Back Home », de nombreux artistes ont suivi le chemin de Dylan en fusionnant la musique folk avec l’instrumentation rock, notamment The Byrds, Simon and Garfunkel et Gordon Lightfoot. Ce faisant, ils ont créé un genre qui sera plus tard étiqueté de musique « folk-rock ».

Je suis chanceux de pouvoir compter sur le talent et le professionalisme de Roch Tassé et Alrick Huebener lors de l’enregistrement de plusieurs de mes projets. Je connais Roch depuis que nous étions ados et il a même joué sur mes premiers enregistrements des années 1970. Alrick contribue sa merveilleuse contrebasse sur plusieurs de mes enregistrements pour plus de six ans.

Richard Séguin – voix, programmation MIDI (piano électrique)
Alrick Huebener – contrebasse
Roch Tassé – batterie

Pour entendre la pièce, cliquez sur le lien ci-bas.

It’s All Over Now, Baby Blue

Clause de non-responsabilité en matière de droit d’auteur en vertu de l’article 107 de la Loi sur le droit d’auteur de 1976 : l’utilisation équitable est permise à des fins comme la critique, les commentaires, les reportages, l’enseignement, les bourses, l’éducation et la recherche.

Bob Dylan a composé « Chimes of Freedom » en 1963 et la chanson est sortie en 1964 dans le cadre de l’album « Another Side of Bob Dylan. » L’album s’écarte des chansons plus socialement responsables qui avaient créés l’impact original de Dylan sur la scène de la musique folk en 1962, les remplaçant par le caractère plus abstrait et introspectif de ses nouvelles compositions. C’est certainement Dylan à son plus bienveillant. Le changement a suscité des critiques de la part de certaines personnalités influentes de la communauté folk, même si Dylan a toujours enregistré et interprété la chanson comme il l’avait toujours fait auparavant, en chantant tout en jouant une guitare acoustique et de l’harmonica. La fureur sur le passage de Dylan aux instruments électriques attendait dans les ailes.

La chanson marque une transition entre le style de « chanson de protestation » de Dylan (une litanie de chansons opprimées, comme dans la seconde moitié de chaque couplet) et son style poétique plus fluide (la fusion d’images de foudre, de tempête et de cloches, comme dans la première moitié).

La chanson a été reprise plusieurs fois par différents artistes, dont The Byrds, Jefferson Starship, Youssou N’Dour, Bruce Springsteen et U2. J’ai toujours trouvé la chanson profondément solennelle et j’ai choisi un arrangement plus sobre.

Richard Séguin – voix, programmation MIDI (orgue), échantillonnage audio (percussion), guitare électrique à 12 cordes

Pour entendre la chanson, cliquez sur le titre ci-bas.

Chimes of Freedom

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J’avais pensé à enregistrer « Biloxi », une chanson de Jimmy Buffett, pendant plusieurs années quand il m’a forcé la main en mourant le 1 septembre de cette année. Buffett a vécu pour le soleil, le sable et le surf et, peut-être sans surprise, est mort des complications du cancer de la peau qui avait été diagnostiqué quatre ans plus tôt. Buffett avait 76 ans.

Jimmy Buffett a fait plus pour l’industrie du tourisme que tout autre homme vivant. Tout son répertoire, plus de 30 albums, était peuplé d’hymnes à la plaisance, la plage, l’océan et la boisson occasionnelle. Par conséquent, il était un artiste très populaire et attachant, grâce à son méga-succès de 1977 « Margaritaville ». À l’époque, il semblait que la chanson jouait continuellement sur tous les radios en Amérique du Nord.

Buffet était un investisseur avisé dans sa propre marque et a lancé plusieurs entreprises pour vendre son style de vie à ses fans, y compris des restaurants, des maisons de disques, de la bière, des casinos, des communautés de retraités et du cannabis. La valeur nette de Buffett était estimée à 1 milliard de dollars au moment de son décès. Buffett a également été actif dans la conservation de l’environnement, les secours aux sinistrés et a joué de nombreuses représentations caritatives pour diverses causes.

La chanson « Biloxi », écrite par Jesse Winchester, est sortie en 1977 dans le cadre de l’album intitulé « Changes in Latitudes, Changes in Attitudes », un parfait résumé de son credo. La ville de Biloxi est dans le Mississippi et son front de mer se trouve directement sur le Mississippi Sound, avec des îles barrières dispersées au large de la côte et dans le golfe du Mexique. Son climat subtropical humide attire de nombreux vacanciers à la région.

Richard Séguin – voix, guitare acoustique, guitare électrique, synthétiseur DX (MIDI), contrebasse électrique, prélèvements audio (tambourine, tom basse), mandoline.

Pour entendre la chanson, cliquez sur le titre ci-bas.

Biloxi

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Richard et Roch

En 1714, le fort Saint-Jean-Baptiste de Natchitoches a été fondé par l’explorateur canadien-français Louis Juchereau de St. Denis (1676-1744). Natchitoches faisait partie de la Louisiane, un vaste territoire du sud de l’Amérique du Nord nommé en l’honneur du roi Louis XIV de France. L’avant-poste était près d’un village du peuple indigène Natchitoches, d’après lequel le fort et plus tard la ville ont été nommés. Les premiers colons étaient des immigrants catholiques français et des créoles (ethnie française née dans la colonie). Natchitoches a été fondée sur la rivière Rouge pour le commerce avec le Mexique, qui était sous le contrôle de l’Espagne. Ces divisions politiques ont précédé la formation des États-Unis – les 13 colonies originales n’ont été incorporées en les États-Unis qu’après la guerre d’indépendance (1775-1783). Les différents participants ethniques en Louisiane ont conduit à plusieurs tangentes merveilleuses en cuisine et en musique.


Alrick Huebener

La France avait contrôlé le territoire de la Louisiane à partir de 1682 jusqu’à ce qu’il soit cédé à l’Espagne en 1762. En 1800, Napoléon, premier consul de la République française, repris possession de la Louisiane en échange de la Toscane dans le cadre d’un effort plus large pour rétablir un empire colonial français en Amérique du Nord. Cependant, l’échec de la France à stopper une révolte à Saint-Domingue, couplé avec la perspective d’une nouvelle guerre avec le Royaume-Uni, a incité Napoléon à envisager de vendre la Louisiane aux États-Unis. L’acquisition de la Louisiane était un objectif à long terme du président Thomas Jefferson, qui était particulièrement désireux de prendre le contrôle du port crucial de la Nouvelle-Orléans. Les représentants américains ont rapidement accepté d’acheter tout le territoire de la Louisiane et Jefferson a persuadé le Congrès de ratifier et de financer l’achat de la Louisiane en 1803.


Le centre-ville de Natchitoches aujourd’hui avec ses rues en briques

La ville de Natchitoches a été constituée le 5 février 1819, après que la Louisiane soit devenue un État en 1812. C’est la plus ancienne colonie permanente dans les terres acquises par l’achat de la Louisiane. Aujourd’hui, Natchitoches est un site historique magnifiquement entretenu qui soutient le tourisme pour toute la région.


Ed et Bee Deshotels

La chanson « Aux Natchitoches » remonte au début du XVIIIe siècle. Elle parle de deux amants languissants, séparés selon le dogme catholique où l’homme ne travaille jamais le dimanche mais travaille les six autres jours de la semaine. La chanson a été enregistrée par un certain nombre d’artistes cajuns, mais je l’ai entendue sur un enregistrement d’Elby « Bee » Deshotels (1920-1988), qui l’a chantée a cappella (sans accompagnement). Bee Deshotels jouait souvent dans la région de Ville Platte et Mamou en Louisiane avec son frère jumeau identique Ed (1920-2003), un violoneux.

Comme toujours, je dois signaler le dévouement exceptionnel que Roch et Alrick portent aux projets de ce site.

Richard Séguin – voix, mandoline
Alrick Huebener – contrebasse
Roch Tassé – percussion

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Aux Natchitoches

Clause de non-responsabilité en matière de droit d’auteur en vertu de l’article 107 de la Loi sur le droit d’auteur de 1976 : l’utilisation équitable est permise à des fins comme la critique, les commentaires, les reportages, l’enseignement, les bourses, l’éducation et la recherche.

Neil Young est né le 12 novembre 1945 à Toronto, en Ontario. Il a commencé sa carrière musicale comme auteur-compositeur-interprète à Winnipeg, au Manitoba, au début des années 1960. Durant sa carrière, Young a reçu plusieurs prix Grammy et Juno et a été intronisé deux fois au Rock and Roll Hall of Fame, en 1995 comme artiste solo et en 1997 comme membre du groupe Buffalo Springfield. Young a reçu l’Ordre du Manitoba en 2006 et a été nommé officier de l’Ordre du Canada en 2009.

Depuis le début de sa carrière solo, souvent avec le soutien du groupe Crazy Horse, ses enregistrements ont reçu une large approbation critique. Tout en travaillant dans le circuit folklorique canadien, Young a rencontré Stephen Stills et Joni Mitchell, deux artistes qui ont contribué à étendre sa carrière. Il s’est installé à Los Angeles en 1966 et forma le groupe folk-rock Buffalo Springfield avec les Canadiens Bruce Palmer et Dewy Martin, ainsi que les Américains Stephen Stills et Richie Furay. En 1969, il est devenu membre du groupe très populaire Crosdy, Stills Nash & Young.

À la fin de 1992, Young a lancé son album « Harvest Moon », qui fut acclamé universellement par la critique. Le site de musique Classic Rock Review a nommé « Harvest Moon » son album de l’année pour 1992. L’album a également remporté le prix Juno de 1994 pour l’album de l’année. L’album a poursuit la reprise commerciale et critique de Young et a fini par surpasser ses disques précédents.

La chanson « Harvest Moon » est en tête de liste de l’AARP des « 16 chansons que tout ceux plus vieux que 50 doivent posséder. » La chanson est un hommage à l’épouse de Young, Pegi.

Richard Séguin – voix, guitares acoustiques, mandoline, programmation MIDI (contrebasse, orgue)

Pour entendre la pièce, cliquez sur le titre ci-bas.

Harvest Moon

Clause de non-responsabilité en matière de droit d’auteur en vertu de l’article 107 de la Loi sur le droit d’auteur de 1976 : l’utilisation équitable est permise à des fins comme la critique, les commentaires, les reportages, l’enseignement, les bourses, l’éducation et la recherche.

En juin 1966, Bob Dylan a publié un de ses albums les plus populaires, énigmatiquement appelé « Blonde on Blonde. » Un disque double, les enregistrements ont mis en vedette certains des meilleurs musiciens de Nashville. Bon nombre des chansons de cet album ont été reconnues comme étant parmi les meilleures de Dylan et, en particulier, « Visions of Johanna » a laissé sa marque sur la culture de notre musique populaire.

Lorsque Dylan a écrit la chanson, c’était sous le titre de travail « Freeze Out », qui semble soutenir les affirmations selon lesquelles elle a été écrite pendant ou près de la panne de courant de novembre 1965 sur la côte Est, qui a touché certaines parties de l’Ontario, du Connecticut, de Deleware, du Maryland, du Massachusetts, New Hampshire, New Jersey, New York, Pennsylvanie, Rhode Island et le Vermont. Plus de 30 millions de personnes et 80 000 miles carrés ont été laissés sans électricité pour jusqu’à 13 heures.

Plusieurs critiques ont salué « Visions de Johanna » comme l’une des plus grandes réalisations de Dylan et les médias sont plein d’évaluations provennant d’amateurs qui, pas de surprise, vont de haut en bas. Certainement, le language évocateur et subtile de la pièce porte aux interprétations de grande envergure. Des chansons comme celle-ci ont grandement contribué au prix Nobel de littérature de Dylan en 2016.

En écoutant la chanson au cours des 55 dernières années, elle n’a pas diminué dans mon esprit. Elle me remplit encore avec le même sens d’émerveillement comme quand je l’ai entendu pour la première fois en tant qu’adolescent. Les paroles « Le fantôme de l’électricité hurle dans les os de son visage » ou « Les harmonicas jouent les clés du squelette sous la pluie » me hanteront à jamais.

Comme toujours, je me dois de signaler l’aide et l’exeptionel support musical d’Alrick Huebener (contrebasse) et Roch Tassé (batterie).

Pour entendre la pièce, cliquez sur le titre ci-bas.

Richard Séguin – voix, guitares acoustiques, guitares électriques 6 cordes, guitares électriques 12 cordes
Alrick Huebener – contrebasse
Roch Tassé – batterie

Visions of Johanna

L’été de l’amour était un phénomène social qui s’est produit durant l’été 1967, quand pas moins de 100 000 jeunes ont convergé dans le quartier de Haight-Ashbury à San Francisco. Connus sous le nom de « hippies », ces gens préconnisaienmt l’utilisation généralisée de drogues hallucinogènes, une position anti-guerre et une politique d’amour libre. Bien que centrée sur la côte ouest des États-Unis, la culture hippie s’est répandue aussi loin que New York et, dans une moindre mesure, en Amérique du Nord et en Europe.

Pendant cette période, l’accent a été mis sur le partage et la communauté et un certain nombre de magasins gratuits et de cliniques médicales gratuites ont été créés. Le musicien Scott McKenzie a enregistré la chanson « San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair) » qui a servi à promouvoir et à populariser les « enfants des fleurs » de San Francisco. Sortie en mai 1967, la chanson connut un succès instantané. Il a suivi une foule de groupes rock américains avec des noms sauvages et psychédéliques comme The Strawberry Alarm Clock, The 13th Floor Elevators, Vanilla Fudge et The Electric Prunes. Les groupes plus sérieux étaient Jefferson Airplane, The Grateful Dead , The Doors et The Byrds.

La couverture médiatique des hippies a attiré l’attention de personnes de différents groupes d’âge et d’affiliations politiques et la théorie sociologique d’un écart entre générations est apparue dans les années 1960, quand la jeune génération semblait aller à l’encontre de tout ce que leurs parents avaient cru. La musique, les valeurs, les vues gouvernementales et politiques ainsi que les goûts culturels étaient tous en conflit. L’écart entre générations a également créé un écart parallèle dans la langue dans toute la société, créant des complications dans la communication quotidienne à la maison, au travail et dans les écoles. Alors que les nouvelles générations cherchaient à se définir comme quelque chose de différent des autres, elles adoptairent un nouveau langage et de l’argot, permettant à une génération de créer un sentiment de division par rapport à la précédente. Combiné avec une musique différente et de différentes sensibilités, la dernière partie des années 1960 a vu un bouleversement général à tous les niveaux de la société.

J’ai choisi de mettre en vedette la musique de Jefferson Airplane, un groupe rock américain basé à San Francisco qui est devenu l’un des groupes pionniers de l’époque. Formé en 1965, le groupe a défini le son de San Francisco et a été le premier de la région à atteindre un succès commercial international. Ils ont joué au festival Monterey Pop (1967), à Woodstock (1969), au concert d’Altamont (1969) et le premier festival de l’île Wight (1968) en Angleterre. Leur disque « Surrealistic Pillow » (1967), le titre parfait pour l’époque, est l’un des enregistrements les plus importants de l’été de l’amour. Deux chansons de cet album, « Someone to Love » et « White Rabbit », font partie des « 500 Greatest Songs of All Time » de Rolling Stone Magazine. « White Rabbit », avec ses imageries d’Alice au pays des merveilles, est à mon avis la meilleure chanson de la décenie.

Jefferson Airplane était composé de Marty Balin (guitare et voix), Paul Kantner (guitare, voix), Grace Slick (voix), Jorma Kaukonen (guitare principale, voix), Jack Casady (basse) et Spencer Dryden (batterie). Le groupe a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 1996 et a reçu un Grammy Lifetime Achievement Award en 2016.

Plus tôt cette année, j’ai reçu une visite de deux musiciens, Carl Wilson du Québec et Richard Trahan de l’Allemagne, qui, au début des années 1980, avaient enregistré un disque de duos de guitare acoustique écrits par leurs compositeurs préférés, y compris deux de mes propres compositions. Nous sommes amis depuis. Pendant leur visite, je leur ai joué mon enregistrement de « Coming Back Top Me » et Carl a joué la pièce instrumentale de Jorma Kaukonen intitulée « Embryonic Journey » sur ma guitare 12-cordes électrique. Les deux pièces sont tirées de l’album « Surrealistic Pillow » et les deux sont présentés ci-dessous.

Pour entendre les pièces, cliquez sur le titre ci-bas.

Carl Wilson – guitare 12-cordes électrique

Embryonic Journey

Richard Séguin – voix, guitare acoustique, mandoline, contrebasse électrique

Coming Back To Me

En septembre 1962, j’ai commencé ma dernière année d’école primaire. Je ne savais pas à quoi m’attendre quand je commencerais l’école secondaire l’année suivante – j’étais un garçon isolé et innocent, mais j’aimais la vie tranquille que j’avais dans ma ville natale bien-aimée. Puis, le mois suivant, la paix du monde a été emportée par des hommes sans visage de pays étrangers, l’un voisin, l’autre à l’autre moitié du monde, qui ont décidé qu’ils seraient ceux qui détermineraient le sort du monde.

Le 14 octobre 1962, un avion espion américain a pris des photos de missiles balistiques soviétiques installés à Cuba. Équipés de têtes nucléaires, les missiles pouvaient atteindre des cibles aux États-Unis et au Canada. Le président américain John F. Kennedy a rejeté les appels de ses conseillers militaires à lancer des frappes aériennes contre les sites de missiles. Plutot, il a monté un blocus naval immédiat de Cuba. La crise des missiles cubains a duré 13 jours et les deux superpuissances atomiques du monde se sont rapprochées plus que jamais de la guerre nucléaire. L’impasse a pris fin le 28 octobre avec l’aide de diplomates des Nations Unies, en particulier le Secrétaire général U Thant. Le premier ministre soviétique Nikita Khrouchtchev a accepté de démanteler et de retirer les missiles soviétiques, en échange de la promesse de Kennedy de ne pas envahir Cuba. Bien que la crise ait été désamorcée, l’armée américaine est restée en état d’alerte pendant trois semaines supplémentaires alors qu’elle surveillait l’enlèvement des missiles. Dans le cadre de la résolution, Kennedy a également secrètement promis de retirer de la Turquie des missiles nucléaires américains de portée intermédiaire Jupiter, un accord qui n’a été rendu public qu’à la fin des années 1980.

Au Canada, le premier ministre Diefenbaker avait remporté l’élection de 1958 avec la plus grande marge de l’histoire du Canada, mais sa réaction hésitante à la crise des missiles cubains a entraîné la chute de son régime. Au lendemain de la crise, les États-Unis ont accusé le gouvernement Diefenbaker de mentir et d’éviter ses devoirs militaires. Le ministre de la Défense nationale, Douglas Harkness, démissionne en février 1963 pour protester contre l’opposition de Diefenbaker à l’installation d’ogives nucléaires américaines au Canada. Cette démission a précipité la scission du gouvernement conservateur et Diefenbaker a perdu contre le Parti libéral de Lester B. Pearson aux élections de 1963.

Pour un jeune de 12 ans, c’était un réveil très, très douloureux. J’étais outré que des gens complètement insignifiants à ma vie pouvaient encore décider de son sort. J’ai développé une haine profonde pour la politique des nations belligérantes. À ce jour, j’espère que tous les belligérants rencontreront la mort qu’ils infligent aux autres. Chaque fois que j’entends parler de conflits mortels dans le monde, je repense au fait que les belligérants, sur les deux fronts de tout conflit, réduisent leur nombre dans le patrimoine génétique.

En 1962, je n’étais certainement pas la seule personne qui portait de la haine et de l’indignation dans son cœur pour la guerre et la belligérance. Cette année-là, Bob Dylan lance « The Freewheelin’ Bob Dylan », un album qui comprend la chanson « A Hard Rain’s A-Gonna Fall » et d’autres « chansons de protestation », inspirées en partie par Woodie Guthrie (1912-1967) et influencée par Pete Seeger (1919-2014). La chanson de Dylan est modelée sur « Lord Randall », introduisant chaque verset avec des variantes des lignes d’introduction de cette ballade frontalière anglo-écossaise du 17ème siècle. La chanson est souvent interprétée comme une réaction à la crise des missiles cubains, mais Dylan a lui-même dénoncé cette simplification excesive puisqu’il l’avait lui-même interprétée publiquement un mois avant la crise.

Les pièces de Dylan à ses débuts venaient tous d’une époque où le renouveau folk qui prenait d’assaut la ville de New York se diffusait aussi en Amérique du nord et finalement, le monde. Ce phénomène précédait tous les avancements technologiques de notre vie. Invariablement, les pièces étaient enregistrées par Dylan seul, avec sa voix, sa guitare et son harmonica. Notre arrangement est beaucoup plus lent et moderne et, dans un esprit de brièveté, ne contient pas toutes les paroles de l’enregistrement original.  

Richard Séguin – voix, guitares acoustiques 6 cordes et 12 cordes, guitares électriques, programmation MIDI (orgue)
Roch Tassé – tom basse

Pour écouter la pièce, cliquez sur le titre ci-bas.

A Hard Rain’s A-Gonna Fall

Aussi loin que je me souvienne, ma ville natale de Rockland fut remplie de musiciens amateurs, en ce sens que personne ne les payait pour faire de la musique. Ils jouaient parce qu’ils aimaient jouer. Cependant, ils étaient talentueux. J’ai toujours pensé que la musique joué simplement par amour est aussi pure que cette forme d’art peut l’être.

Quand j’étais petit, il y avait toujours de la musique dans notre maison. Mon frère Gabriel a formé un groupe appelé The Happy Valley Boys avec ses amis Paul Labelle et Gerry Sharp. Ils jouaient souvent à l’hôtel Windsor, au coin de Metcalfe et Queen à Ottawa, et ont même joué jusqu’à Maniwaki. Ma famille élargie les suivait partout. Paul et Gerry étaient toujours chez nous quand Gabriel vivait, des frères ces trois-là. Ils mangeaient sous notre toit, dormaient sous notre toit et mes parents les aimaient comme les leurs.

Un de nos musiciens des plus célèbres est Gaëtan « Pete » Danis, un excellent guitariste qui a joué pendant des décennies derrière Bob et Marie King, un duo très populaire, surtout au Québec et dans l’est de l’Ontario. Le groupe était complété par Hughie Desmond à la contrebasse électrique et Gilles St-Laurent à la batterie. Gilles a joué avec The Happy Valley Boys à l’occasion.

Michel Rondeau de Rockland est un trompettiste et gradué du Conservatoire de Musique du Québec, qui a composé plus de 200 oeuvres, y compris 35 symphonies, et il a transcrit et arrangé plus de 900 oeuvres de chorale et d’orgue ainsi que des pièces pour différentes combinaisons d’instruments et de voix. Quand j’étais jeune homme, je me rendais souvent chez Michel avec ma guitare pour l’accompagner pendant qu’il pratiquaient des pièces de trompette populaires à l’époque. Il aimait particulièrement les pièces de Herb Alpert & The Tijuana Brass et de Henry Mancini.

Michel Rondeau, comme plusieurs hommes et garçons de Rockland, est aussi passé par la Fanfare de Rockland. Mon frère Robert et moi y avons paricipé pour quelques années. Un ami de Robert et membre de la fanfare, Jacques Drury, vennait chez nous pour pratiquer son saxophone pendant que mon frère jouait sa guitare.

La famille Lalonde de Rockland s’est formé un orchestre composé de Pat Pilon, chanteur et guitariste, Aurèle Lalonde, proclamé le meilleur violoneux de l’est du Canada, son frère « Tit-Bus » à la contrebasse, Gaston Leroux à la batterie et un excellent joueur de « steel guitar » de Bourget dont le nom est perdu dans l’histoire.

À Rockland, il y avait toujours quelqu’un pour aider un jeune à apprendre la musique. Roch Tassé, excellent batteur et ami de long temps qui collabore souvent avec moi pour produire les pièces présentées sur ce site, était souvent visité par son oncle Ubald Pilon, un violonneux, accompagné de ses amis musiciens. Pat Pilon y était ainsi que Gaston Leroux, qui a enseigné la batterie à Roch. Son oncle Ubald lui a aussi enseigné les bases de la guitare. La famille Pilon de Rockland avait aussi formé un orchestre dirigé par Fernand Pilon, qui avait un commerce de livraison d’huile à chauffage. Son jeune frère Denis Pilon était à la batterie.

Un groupe nommé « The Royals » avait été formé pour être l’orchestre en résidence de l’hôtel King George à Rockland, mais ils ont aussi joué jusqu’à Thurso, Qc. Les membres étaient André « Gus » Gosselin, un excellent batteur et chanteur, Denis Tessier, un superbe guitariste qui m’a beaucoup influencé à mes débuts, Jean-Pierre Ménard, guitare et Michel Chrétien, un autre ancien élève de la fanfare de Rockland, au saxophone.

La famille Sharp était aussi très active en musique. Gerry, qui jouait avec mon frère Gabriel, est devenu enseignant de guitare classique et a travaillé longtemps chez Gervais, un magasin de pièces électroniques à Ottawa. Son frère Arthur jouait de la guitare et chantait, souvent accompagné de mon grand ami Gilles « Blaze » Dessaint (1946-2019). Quand ils jouaient en personne, Richard Rochon était leur batteur.

En 1963, mon frère Robert a formé un orchestre à l’école secondaire avec Côme Boucher, Richard Houle, Robert « Bob » Aquin et Tom Butterworth. C’était l’aube de l’ère des télécommunications et du programme American Syncom. Syncom 2, lancé par NASA en 1963, fut le premier satellite de communication géosynchrone au monde, ce qui signifie que le sattelite accomplissait une orbite chaque jour, tout comme la Terre. Soudainement, le monde est devenu beaucoup plus petit. Pas surprenant, le groupe a pris le nom de The Syncoms.

J’ai rejoint le groupe de mon frère Robert en 1965. Robert adorait le groupe britannique Gerry and The Pacemakers et a appelé son groupe Robbie and The Trensetters, puis The Trendsetters et enfin, tout simplement The Trend. Le groupe était complété par Tom Butterworth à la guitare et Denis Sabourin, un batteur de Hammond. Par la suite, Tom et moi avons joué avec André « Gus » Gosselin et on se présentait aussi en duo à La chandelle, un rendez-vous pour les jeunes au sous-sol de l’Église de Rockland. Roch Tassé a dirigé plusieurs des activités à La chandelle.

En 1966, une chanson nommée « Elusive Butterfly » fut un gros hit pour le chanteur Bob Lind et un groupe s’est formé avec le nom The Elusive Butterflies, auparavant appelé The Rubies. Le personnel comprennait Don Boudria, voix et guitare, Denis Bergeron, guitare, André Parisien et Pierre Castonguay, contrebasse électrique et Pierre Lemay à la batterie. En 1984, Don Boudria a été élu comme représentant des Libéraux pour la circonscription de Glengarry-Prescott-Russell en Ontario. Il a occupé différents postes dans le Cabinet de Jean Chrétien à son arrivée au pouvoir en 1993, dont leader à la Chambre et ministre des Travaux publics.

J’ai eu la chance de jouer à maintes reprises avec Alcide Dupuis, un violoneux de Rockland. Un oncle d’Alcide lui avait montré le violon mais absolument rien d’autre! Alcide ne connaissait ni note, ni clef et gardait un répertoire varié et très sophistiqué dans sa tête. Le problème était de récupérer une pièce de sa mémoire! Il commençait en grattant les cordes de son violon avec son archet, cherchant pour une mélodie incertaine. Alcide « steppait » aussi et ses pieds essayaient de trouver le rhythme qui allait avec la mélodie. Il s’approchait graduellement de son but, le trouvait, et décollait comme un 747, tout coudes, archet et pieds! C’était une des transformations des plus spectaculaires dont j’ai été témoin de ma vie. Comme vous pouvez voir de la photo, on s’amusait beaucoup.

À cette époque, je travaillais et j’ai pu m’acheter une guitare acoustique, une guitare électrique (les deux des Gibson) et un banjo Fender. Tom a acheté sa première guitare steel et ces instruments nous ont permis de nous diversifier dans différents genres que nous aimions. Finalement, Richard Houle et Pierre Lemay, un batteur local, ont rejoint Tom et moi dans un groupe qui n’a jamais eu de nom.

En 1971, mon frère Robert a acheté un magnétophone Sony, le sommet de la technologie d’enregistrement à l’époque. Mon frère nous a enregistré en jouant d’abord au sous-sol de notre maison et, en 1972, au sous-sol de la maison de Pierre Lemay. Il n’y a pas eu de suite aux enregistrements et les bandes ont été stockées dans divers endroits et oublié pendant de plus de 30 ans.

Par la suite, Tom a formé un groupe nommé Beach dans lequel figurait aussi Pierre Chénier (1953-2021) à la guitare, Richard Houle à la contrebasse électrique et son cousin John Houle à la batterie. Pour ma part, je composais des airs pour la guitare et le banjo. Mon ami Jean-Pierre Béland, un expert en productions audiovisuelles, m’a demandé de composer la bande sonore pour un diaporama qu’ il réalisait. Jean-Pierre m’a enregistré dans la sacristie de l’Église de Rockland où les réverbérations naturelles sont saisissantes. Les résultats ont été très bien reçus et, en 1975, Jean-Pierre nous a conduit, Roch et moi, à un petit studio de Montréal appelé Bobinason pour réaliser nos premiers enregistrements commerciaux.

Vers 2008, Richard Houle m’a téléphoné pour me dire qu’il avait trouvé les bandes d’enregistrement de 1972 dans une boîte dans son sous-sol. Richard est venu me rendre visite, m’a remis les bandes, que j’ai ensuite données à mon frère Robert. Robert avait toujours ce vieux magnétophone Sony et il fonctionnait toujours! Grâce à son équipement numérique de l’époque, il a pu transférer nos enregistrements originaux des bandes à des supports audio numériques. Les bandes, alors âgées de plus de 40 ans, s’étaient détériorées et les enregistrements originaux étaient affectés, mais certains étaient meilleurs que les autres. L’un des meilleurs du lot est notre interprétation de « Long Black Veil. » Comment Robert a réussi à enregistrer quatre instruments et quatre voix avec seulement deux micros je ne saurai jamais.

« Long Black Veil » a été composé par Danny Dill (1924‑2008) et Marijohn Wilkin (1920‑2006), deux auteurs-compositeurs professionnels, et a été enregistré pour la première fois par William Orville « Lefty » Frizzell (1928‑1975) en 1959. Frizell est connu comme l’un des stylistes de chant country les plus influents de tous les temps. Il a été intronisé au Country Music Hall of Fame ainsi qu’au Songwriters Hall of Fame en 1982.

« Long Black Veil » est devenu un standard et a été couvert par une variété d’artistes dans les styles country, folk et rock, notamment par Johnny Cash et The Band.

Cet enregistrement, perdu et retrouvé, est dédié à la mémoire de Richard Houle (1947-2013).

Richard Séguin – voix, guitare acoustique
Tom Butterworth – voix, guitare électrique
Richard Houle – voix, contrebasse électrique
Pierre Lemay – batterie
Robert Séguin – voix, enregistrement analogique, transfert numérique

Pour entendre la pièce, cliquez sur le titre ci-bas.

Long Black Veil 1972

Quand j’étais jeune, tous les habitants de Rockland entendaient les trains de marchandises qui roulaient la nuit de l’autre côté de la rivière des Outaouais. Les trains suivaient la ligne Thurso, Masson-Angers, Gatineau, le cri de deuil lointain de leurs sifflets qui résonnaient dans l’obscurité. Aucun autre son ressemble à celui-là.

Quand j’ai commencé à jouer de la musique à l’âge de 13 ans, tout le monde avait une chanson de train. Johnny Cash en avait plusieurs, comme « Folsom Prison Blues » et « Hey Porter ». Les chansons de train allaient du sombre profond de « Mystery Train » de Junior Parker, de la tristesse plaintive de « Waiting For A Train » de Jimmie Rodgers, du funk irrésistible de « Night Train » de James Brown, à la mélodie joyeuse de « Freight Train » d’Elizabeth Cotton.

Au début du 20e siècle, les lignes de la compagnie ferroviaire Grand Tronc croisaient l’est ontarien entre Ottawa et Montréal. South Indian était une des stations et son emplacement est maintenant le village de Limoges. Il y avait aussi une station à North Indian, qui est devenue le village d’Hammond, non loin de Rockland.

Ma chanson de train préférée de tous les temps est sûrement « Click Clack » de Don Van Vliet (1941-2010), le capitaine Beefheart lui-même, l’homme qui avait une dent contre cette société. « Click Clack » est tout mouvement, plein de trains qui vont et viennent, et une fille qui « menace de descendre à la Nouvelle Orléans pour se perdre et se retrouver. » La chanson de train la plus impressionnante dont j’aie été témoin est « The Rail Song » d’Adrian Belew (né en 1949), une chanson magnifiquement nostalgique de son amour pour les trains. La pièce fut publiée en 1983 sur l’album « Twang Bar King. » Adrian Belew a travaillé avec certains des plus grands noms de la musique, y compris Frank Zappa, David Bowie, Talking Heads et King Crimson. La guitare de Belew sonne comme tout au monde, y compris une guitare. Maître de la conception d’instruments et du multimédia, il a collaboré avec la compagnie Parker Guitars pour concevoir sa guitare signature Parker Fly. Personne n’a un répertoire de sons de guitare plus étonnants qu’Adrian Belew.

J’ai vu Belew et son groupe, The Bears, à la fin des années 1980 dans un petit club de Hull, au Québec. À la fin d’une de leurs chansons, comme s’il y avait une panne de courant, tout le club est soudainement devenu noir, tout sauf une minuscule tache de lumière venant de la scène. Puis, nous entendions un murmure lointain. Lentement, la tache de lumière s’est rapprochée et le bruissement est progressivement devenu plus fort, des roues de train sur des voies éloignées. On entendait un sifflement de train lointain quand le club a commençé à trembler, le train s’approchait, le bruissement maintenant assourdissant, les lumières qui clignotaient et s’éteignaient lorsque le train franchissait un passage à niveau et balayait le club. Les patrons se cachaient sous les tables pour se mettre à l’abri pendant que tout l’endroit tremblait. Avec une transition parfaite, les lumières de la maison se sont allumées et Belew et The Bears se sont lancés dans « The Rail Song. » C’était le genre d’intro qu’on n’oublie jamais.

Bob Dylan a composé sa chanson de train, « It Takes a Lot To Laugh, It Takes a Train to Cry », en 1965 pour l’album « Highway 61 Revisited.» Elle a toujours été l’une de mes chansons préférées. Elle a aussi été interprétée par Steven Stills, Leon Russell, Taj Mahal et Lucinda Williams, entre autres.

Richard Séguin – voix, guitare acoustique, guitare électrique, contrebasse électrique
Roch Tassé – batterie

Pour entendre la pièce, cliquez sur le titre ci-bas.

It Takes a Lot To Laugh, It Takes a Train To Cry