Archive for the 'Non classé' Category

J’ai grandi dans une maisonnée de neuf personnes couvrant trois générations. J’ai toujours été entouré d’amour, de mon grand-père, mon père, ma mère, mes frères et mes sœurs. Mon frère Robert était le plus près de moi en âge et il était, et est toujours, un superbe grand frère. Ma sœur Marielle, de 10 ans mon aînée, était ma gardienne et remplaçait ma mère lorsque son temps était entièrement consacré aux besoins quotidiens de neuf personnes.

Et puis il y avait mon frère Gabriel, de 14 ans mon aîné. Vous auriez pensé qu’un jeune homme aurait d’autres choses à l’esprit que le petit monde d’un enfant, mais Gabriel n’était jamais ce à quoi vous vous attendiez. Bien sûr, il avait des copines, travaillait comme fonctionnaire, faisait du ski nautique et jouait du piano avec son petit combo mais il trouvait toujours le temps d’être attentif, ce qui était sa nature, et pas seulement avec moi mais avec tout le monde. Quand il a vu que j’étais captivé par la beauté incompréhensible de la musique à l’âge de cinq ans, il m’a pris à part, m’a montré comment prendre soin de sa collection de disques et m’a appris à utiliser notre gramophone. Gabriel m’a permis de jouer ses disques quand je voulais, comme un adulte. Et il a ouvert la porte à mon histoire d’amour avec la musique, le plus grand cadeau que j’ai jamais reçu, après son amour.

La collection de disques de mon frère était sans pareille. Tous les artistes qui ont façonné la première vague du rock n’ roll dans les années 50 étaient présents : Chuck Berry, Little Richard, Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Ivory Joe Hunter, The Everley Brothers, Buddy Holly, The Coasters. Quand j’avais 8 ans, un nouvel artiste est entré dans sa collection : Eddie Cochran. Mon frère a acheté trois de ses plus grandes réussites, « Summertime Blues », « C’mon Everybody » et « Somethin’ Else ». Cochran était un jeune rock-and-roller qui jouait toujours une magnifique guitare électrique Gretsch 6120 avec un tailpiece Bigsby. J’ai choisi de mettre en vedette « C’mon Everybody » de Cochran, joué très près de son enregistrement original de 1958.

Comme Chuck Berry, Cochran parlait de la frustration et de la rébellion des adolescents en chansons qui sont encore admirées à ce jour. L’ascension de Cochran à la célébrité ne fut rien de moins que fulgurante. Il a appris la musique très jeune et a réalisé ses premiers enregistrements à l’âge de 17 ans. La même année, il fut présenté dans le film d’Hollywood « The Girl Can’t Help It », interprétant une autre de ses chansons à succès, « Twenty Flight Rock ».

Au début de 1959, deux amis de Cochran, Buddy Holly et Richie Valens, ainsi que le Big Bopper (J.P. Richardson), ont été tués dans un accident d’avion pendant une tournée. Cochran fut très secoué par leur mort, et il a développé une prémonition morbide qu’il mourrait jeune lui aussi. Peu après leur mort, il a enregistré la chanson « Three Stars » en guise d’hommage. Il était impatient d’abandonner la vie sur la route et de passer son temps en studio à faire de la musique, réduisant ainsi le risque de subir un accident mortel similaire en tournée. Des responsabilités financières, cependant, ont exigé qu’il continue à s’exécuter en personne, et ont conduit à une tournée du Royaume-Uni en 1960. Cochran était en tournée de Angleterre quand lui et son collègue artiste Gene Vincent voyageaient en taxi vers Londres. En plus de Cochran et Vincent, les autres passagers dans le véhicule étaient Sharon Sheeley, une auteure-compositrice de 20 ans qui était aussi la fiancée de Cochran à l’époque, Patrick Tompkins (le directeur de tournée, 29 ans) et George Martin (le chauffeur de taxi, 19 ans). Vers minuit, Martin a perdu le contrôle du véhicule, qui s’est écrasé sur un lampadaire en béton. Au moment de l’impact, Cochran (qui était assis au centre de la banquette arrière) s’est jeté sur Sheeley pour la protéger. La force de la collision a ouvert la porte arrière gauche du passager et Cochran a été éjecté du véhicule, subissant un violent traumatisme crânien. La route était sèche et le temps était beau, mais on a déterminé plus tard que le véhicule roulait à une vitesse excessive. Les occupants du véhicule ont tous été transportés à l’hôpital communautaire de Chippenham, puis transférés à l’hôpital St Martin de Bath. Cochran n’a jamais repris conscience et est mort à 16 h 10 le lendemain, le dimanche de Pâques. Il avait 21 ans. Sheeley a subi des blessures au dos et à la cuisse, Vincent a subi une fracture de la clavicule et de graves blessures aux jambes, et Tompkins a subi des blessures au visage et une fracture de la base du crâne. Martin n’a pas subi de blessures importantes.

Entre les tragédies qui ont frappé Buddy Holly et Eddie Cochran, ma famille a connu l’une des siennes lorsque mon frère Gabriel s’est noyé accidentellement le 28 juin 1959, à l’âge de 23 ans. On appelle la mort de Buddy Holly le jour où la musique est morte mais, pour moi, la musique est morte avec mon frère. Cependant, ce que mon frère m’a donné n’est jamais mort et, quatre ans après sa mort, j’ai mis la main sur ma première guitare.

Photo d’Eddie Cochran (domaine publique), page Facebook Eddie Cochran – Singer

Richard Séguin – voix, guitare acoustique, guitare électrique, mandoline, contrebasse électrique, percussion
Roch Tassé et Linda Challes – percussion

Pour entendre la chanson, cliquez sur le lien ci-bas.

C’mon Everybody

Il y a environ 20 ans, j’ai reçu un colis inattendu par la poste. Il s’agissait d’un CD de deux guitaristes québécois, Carl Wilson et Richard Trahan, qui jouaient des duos de chansons de leurs compositeurs préférés. Deux de mes propres compositions, tirées de mes premiers enregistrements à la fin des années 1970, figuraient sur le CD. Il semble que Carl et Richard T. avaient aiguisé leurs compétences en écoutant les duos que j’avais enregistrés à l’époque avec mon ami Marc Beneteau.

Comme vous pouvez l’imaginer, c’était un immense honneur pour moi. Carl m’a rendu visite à Vanier plus tard et nous sommes amis depuis. Carl vit à Terrebonne, au Québec, avec son fils Elliott et sa fille Noémie. Richard T. a rencontré Birgit, une fille allemande, dans l’ouest canadien et l’a suivie jusqu’en Allemagne! Ils sont mariés et ont quatre filles, Ulrike, Julia, Nathalie et Isabelle. Carl et Richard T. sont toujours très actifs en musique, comme tous les enfants de Richard T., en particulier Isabelle, qui compose et joue sa propre musique, publiée en vidéos sur YouTube.

Il y a quelques jours, Carl m’a encore récompensé avec une nouvelle interprétation vidéo de ma composition « Du monde en ville », un enregistrement de 1978 sur lequel j’étais accompagné de mon bon ami Roch Tassé sur les congas. Roch est toujours un contributeur régulier sur ce site. Le titre de cette pièce vient de ces vendredis soirs dans ma ville natale de Rockland, quand les gens de tous les petits villages avoisinants des comtés de Prescott-Russell venaient en ville faire leurs courses, ou voir un film au Théatre Cartier, ou prendre un bon repas au restaurant Castel. Un moment merveilleux de ma vie qui vit toujours dans cette pièce.

C’est très réconfortant pour moi d’entendre Carl et Richard T. jouer la musique qui les inspire. Nous sommes toujours en contact via Facebook et je suis toujours heureux d’être témoin des entreprises musicales de ces deux excellents guitaristes. Voici Carl et son interprétation vidéo de « Du monde en ville. » Pour entendre la pièce, cliquez sur le titre ci-bas.

Du monde en ville

Buffy Sainte-Marie, CC (née Beverly Sainte-Marie le 20 février 1941) est une chanteuse-compositrice autochtone canado-américaine (nation crie Piapot), musicienne, éducatrice et militante sociale. Tout en travaillant dans ces domaines, son travail s’est concentré sur les problèmes auxquels font face les peuples autochtones des Amériques.

En 1983, elle est devenue la première Amérindienne à remporter un Oscar lorsque sa chanson « Up Where We Belong », coécrite avec Jack Nitzsche et Will Jennings pour le film « An Officer and a Gentleman », a remporté l’Oscar de la meilleure chanson originale aux 55e Oscars. La chanson a également remporté les prix Golden Globe et BAFTA de la meilleure chanson originale la même année.

En 1997, elle a fondé le Cradle Board Teaching Project, un programme éducatif consacré à une meilleure compréhension des Amérindiens. Elle a été intronisée au Panthéon de la musique canadienne en 1995, a été nommée Officier de l’Ordre du Canada en 1997 et a reçu un doctorat honorifique de nombreuses universités canadiennes.

Lorsqu’elle avait deux ou trois ans, elle a été enlevée à ses parents dans le cadre de la rafle des années 1960 – une politique du gouvernement canadien selon laquelle les enfants autochtones furent enlevés à leur famille, à leur communauté et à leur culture pour être placés dans des foyers d’accueil d’où ils seraient adoptés par des familles blanches. Cette pratique s’inscrivait dans le prolongement du régime des écoles résidentielles, où les enfants autochtones étaient placés sous la protection de l’enfance, dans la plupart des cas sans le consentement de leur famille ou de leur bande. Les autorités gouvernementales de l’époque étaient généralement d’avis que les enfants autochtones pourraient recevoir une meilleure éducation s’ils étaient intégrés au système scolaire public. Les pensionnats autochtones, cependant, ont persisté comme une sorte de pensionnat pour les enfants dont les familles étaient jugées inaptes à prendre soin des leurs. Ce système, mis sur pied par le gouvernement canadien et administré par les Églises, avait pour objectif nominal d’éduquer les enfants autochtones, mais aussi des objectifs plus dommageables et tout aussi explicites de les endoctriner dans les modes de vie euro-canadiens et chrétiens, ainsi qu’à la société canadienne blanche dominante. Le système leur interdisait de reconnaître leur patrimoine et leur culture autochtones ou de parler leur propre langue. Les enfants étaient sévèrement punis si ces règles étaient violées. D’anciens élèves des pensionnats autochtones ont parlé des terribles abus physiques, sexuels, émotionnels et psychologiques subis aux mains du personnel de ces pensionnats.

« Universal Soldier » a été écrit et enregistré en 1964, alors que le gouvernement américain niait l’existence même d’une guerre au Vietnam. Il existe des preuves évidentes que la Maison-Blanche, le FBI et certaines stations de radio ont forcé à mettre sur la liste noire « Universal Soldier » et Buffy Sainte-Marie, mais un jeune artiste folk britannique du nom de Donovan (Leitch, né en 1946) a enregistré la chanson et elle est devenue, contre toute attente, un succès mondial. Non seulement la chanson a été accueillie avec mépris par toutes les factions belligérantes, mais l’enregistrement de Donovan ne présentait que lui chantant et jouant une guitare acoustique, à une époque où le rock ‘n roll et la radio pop devenaient de plus en plus vigoureux et plus électriques.

Buffy Sante-Marie se souvient d’une escale à San Francisco alors qu’elle voyageait du Mexique à Toronto où un groupe de médecins est entré à l’aéroport au milieu de la nuit, transportant des soldats blessés. Elle a demandé à l’un des médecins s’il y avait vraiment une guerre au Vietnam, malgré tous les démentis politiques aux États-Unis. Les médecins lui ont assuré qu’il y avait bel et bien une énorme guerre en cours. Sainte-Marie a commencé à écrire « Universal Soldier » à l’aéroport et dans l’avion, et l’a terminé au sous-sol du café Purple Onion à Toronto.

Les paroles de Buffy Sainte-Marie qui visent Hitler mentionnent Dachau, le premier camp de concentration construit par l’Allemagne nazie en 1933, responsable de 32 000 morts documentées et des milliers d’autres officieuses. Dans sa récitation, Donovan substitue cette référence à Liebau, un centre de formation où la jeunesse hitlérienne fut endoctrinée dans la culture nazie.

Pour ceux qui n’y étaient pas dans les années 1960, il est difficile d’imaginer l’antagonisme acharné des deux côtés de la guerre du Vietnam qui a défiguré et souillé tous les aspects de notre société. Les manifestations musicales ont été nombreuses, de « Eve of Destruction » de Barry McGuire à la magnifique « War » (What Is It Good For) d’Edwin Starr. John Lennon et Yoko Ono s’opposèrent rigoureusement à la guerre. Au cours de leur manifestation de 1969 à l’hôtel Queen Elizabeth à Montréal, Lennon a écrit et enregistré la chanson « Give Peace a Chance ». Sortie en 45 tours, elle est rapidement devenue un hymne anti-guerre chanté par un quart de million de manifestants contre la guerre du Vietnam à Washington. DC, le 15 novembre 1969, deuxième Jour du Moratoire sur le Vietnam. Plus tard en décembre, Lennon et Ono ont payé pour des panneaux publicitaires dans 10 grandes villes du monde qui ont déclaré, dans la langue nationale, « La guerre est terminée! Si tu le veux ».

En cette période traditionnelle de paix, l’Académie de Genève recense plus de 100 conflits armés en cours dans environ trois douzaines de pays, la plupart au Moyen-Orient, en Asie du Nord-Ouest et en Afrique subsaharienne.

Joyeux Noël à tous mes auditeurs.

Toutes les photos sont dans le domaine public.

Pour entendre la chanson, cliquez sur le titre ci-bas.

Richard Séguin – voix et guitare acoustique

Universal Soldier

Jelly Roll Morton (1890-1941) est né Ferdinand Joseph LaMothe dans la communauté créole de la Nouvelle-Orléans. Le mot « créole » désigne une personne de descendances mixtes françaises ou espagnoles et noires provenant des premiers colons français ou espagnols des États américains du golfe du Mexique et préservant leur langage et leur culture. Son père est parti quand il avait trois ans et quand sa mère a épousé William Mouton en 1894, il a pris le nom de son beau-père, l’anglicisant à Morton.

À un jeune âge, Morton apprend à jouer du piano et, à l’âge de 14 ans, se produit déjà dans les bordels du quartier de Storyville à la Nouvelle-Orléans, où il acquiert le nom de « Jelly Roll », un euphémisme pour les parties intimes d’une dame. La chanson « Winin’ Boy Blues » remonte à cette époque. À ce temps, le jazz fut aussi formé par des musiciens comme Buddy Bolden (1877-1931), Kid Ory (1886-1973), King Oliver (1881-1938) et Sidney Bechet (1897-1959). Jelly Roll Morton n’a peut-être pas inventé le jazz comme il le prétendait, mais tous conviennent qu’il était un pionnier très prédominant du genre.

Lorsque la grand-mère de Morton a appris qu’il jouait la « musique du diable » dans des bordels, elle l’a renié pour avoir déshonoré le nom de LaMothe. Morton a commencé à tourner dans le sud des États-Unis, à travailler dans des spectacles de ménestrels et à composer une grande partie de son répertoire. En 1926, Morton signe avec la Victor Talking Machine Company, enregistrant jusqu’en 1931, date à laquelle son contrat d’enregistrement n’est pas renouvelé en raison de la Grande Dépression. Il a brièvement fait une émission de radio en 1934, puis a tourné dans un groupe burlesque. En 1938, Alan Lomax (1915-2002), ethnomusicologue américain surtout connu pour ses nombreux enregistrements de musique folklorique, invite Morton à enregistrer pour la Bibliothèque du Congrès. En raison de la nature suggestive de ces enregistrements, certains n’ont été publiés qu’en 2005 sous forme de 8 CD et deux livrets, une collection qui a remporté deux Grammy Awards en 2006 ainsi que des prix pour le meilleur album historique et les meilleurs notes d’un album.

Les séances ont duré plus de huit heures, Morton parlant et jouant du piano tout au long. Lomax s’intéressait aux jours de Morton à Storyville et aux chansons de l’époque. Lomax a enregistré une version longue et coquine de « Winin’ Boy Blues », mais heureusement, des versions plus convenables ont aussi été enregistrées par la suite. La chanson fait mention de « stavin’ chains », une expression ouverte à beaucoup d’interprétation. Dans un enregistrement de 1937 de Lil Johnson (lieux de naissance et de mort inconnus), Stavin’ Chain était le nom d’un ingénieur en chef dans un train qui possédait une grande force et une grande endurance. Le terme « stavin’ chains » peut provenir des chaînes utilisées par les fabricants de barils pour maintenir les portées de barils ensemble jusqu’à ce qu’une bande de fer puisse être installée autour de l’extrémité du baril. Une autre théorie est que « stavin’ chain » était le nom de la chaîne utilisée pour enchaîner les prisonniers par leurs chevilles. Jelly Roll Morton croyait que Stavin’ Chain était le nom d’un maquereau à la Nouvelle-Orléans, alors que Stavin’ Chain, aussi connu sous le nom de Wilson Jones, était un musicien de blues américain que Lomax a lui-même photographié et enregistré en 1934.

Peu après les enregistrements de la Bibliothèque du Congrès, Morton a été poignardé dans une bagarre avec un ami et a subi des blessures à la tête et à la poitrine. Un hôpital réservé aux Blancs a refusé de le traiter, la ville ayant des installations à ségrégation raciale à l’époque. Il a été transporté dans un hôpital noir à proximité où les médecins ont laissé de la glace sur ses blessures pendant plusieurs heures avant de le soigner. Sa guérison fut incomplète et par la suite, il était souvent malade et s’essoufflait facilement. Il a continué à souffrir de problèmes respiratoires quand il a voyagé à Los Angeles avec l’intention de relancer sa carrière. Il mourut le 10 juillet 1941, après un séjour de onze jours à l’hôpital du comté de Los Angeles.

Je pense à mon frère Gabriel (1936-1959) presque tous les jours mais surtout quand j’entends le son d’un piano d’un passé lointain, comme celui de Jelly Roll Morton. A une époque où tout le monde me traitait comme l’enfant que j’étais, Gabriel a insisté pour me traiter comme une personne et a pris le temps de m’enseigner, malgré notre différence d’âge de quatorze ans, le monde de la musique, tout merveilleux et adulte. Je ne jouerais pas sans lui.

Les photos de Morton et Jones/Amos sont dans le domaine public.

Pour entendre l’enregistrement, cliquer sur le titre de la pièce ci-dessous.

Richard Séguin – voix, guitare acoustique, mandoline

Winin’ Boy Blues

La chanson de Bob Dylan, « Just Like a Woman », est sortie dans le cadre de son album « Blonde On Blonde » en 1966. L’enregistrement de Dylan n’est pas sorti comme 45 tours au Royaume-Uni mais le groupe pop londonien Manfred Mann a enregistré et publié la chanson en Europe en 1966, atteignant le numéro 1 en Suède. Joe Cocker, Ricky Nelson, Rod Stewart et Richie Havens sont parmi les nombreux artistes qui ont couvert cette chanson.

La chanson a été largement critiquée pour ses paroles supposément sexistes ou misogynes mais c’était les années 1960. Tous ceux qui ont vécu cette décennie se souviendront sûrement que rien n’a échappé aux poings levés, aux bannières peintes, aux manifestations et aux cris d’individus vêtus de denim outrés par la guerre du Vietnam, le manque de droits des femmes, les inégalités raciales et à tout ce qui les a touchés de travers. À l’époque, je doutais de la sincérité de toute l’ère de la protestation, bien qu’elle était certainement à la mode et les jeunes ont toujours été esclaves de la mode. Je me souviens qu’au cours de ma première année à l’Université d’Ottawa, en 1968-1969, des jeunes ont pris le contrôle de l’édifice de l’administration et ont perturbé toutes les classes qui y avaient lieu. Les horaires révisés des cours ont été communiqués aux étudiants au moyen de messages dactylographiés agrafés aux poteaux téléphoniques, une stratégie de communication que l’Administration a oublié de mentionner aux étudiants. Par conséquent, j’ai manqué la moitié de mes cours, ignorant leur emplacement, et j’ai décidé que toute l’expérience universitaire n’était pas pour moi. J’ai démissionné avant la fin de ma première année. À ce jour, je n’ai aucune idée de ce qui avait tant dérangé ces manifestants. Depuis lors, j’ai toujours choisi la voie de la moindre résistance.

Mon arrangement de « Just Like a Woman » est fortement basé sur la série de ballades soul d’Otis Redding des années 1960, des chansons comme « I’ve Got Dreams To Remember », « These Arms Of Mine » et « I’ve Been Loving You Too Long ». Redding (1941-1967) avait un style de chant unique qui s’inspirait de la musique gospel qui avait précédé le « soul ». Otis Redding est décédé à l’âge de 26 ans dans un accident d’avion survenu le 10 décembre 1967, près de Madison, dans le Wisconsin, lors d’une tournée multi-ville avec son groupe, les Bar-Kays. Le trompettiste Ben Cauley fut le seul survivant de l’accident. Outre Redding, les autres victimes de l’accident furent leur valet, Matthew Kelly, le pilote Richard Fraser, ainsi que le guitariste Jimmy King, le saxophoniste ténor Phalon Jones, l’organiste Ronnie Caldwell, et le batteur Carl Cunningham.
(Image de Otis Redding – domaine public)

Richard Séguin – voix, guitares électriques, guitare acoustique, contrebasse électrique
Roch Tassé – batterie

Pour entendre la chanson, cliquez sur le titre ci-bas.

Just Like a Woman

Jane Seymour (v.1508 – 1537), troisième épouse du roi Henri VIII, a été reine d’Angleterre de leur mariage en 1536 jusqu’à sa mort l’année suivante. Catherine d’Aragon, la première épouse d’Henri, n’avait pas réussi à produire un héritier mâle au trône, ce qui a conduit à son bannissement de la cour après que la demande d’Henri pour l’annulation du mariage ait été refusé par le pape Clément VII. En représailles, Henri VIII institua la Réforme anglaise où l’Église d’Angleterre se détacha de l’autorité du pape et de l’Église catholique. Henri a sanctionné la destruction complète de tous les sanctuaires des saints. Tous les moines dissidents ont également été exécutés. En 1542, les monastères restants de l’Angleterre ont tous été dissous, et leurs biens transférés à la Couronne.

Henri VIII s’est marié six fois et sa deuxième femme, Anne Boleyn, a fait trois fausses couches, tous des fils, et est tombée en disgrâce avec le roi. Henri commença à courtiser Jane Seymour et, pour l’épouser, il a dû trouver des raisons de mettre fin à son mariage avec Anne. Il a fait enquêter sur Anne pour haute trahison et elle a finalement été décapitée sur de fausses accusations d’adultère, d’inceste et de complot pour tuer le roi. Henry a ensuite été fiancé à Jane le lendemain de l’exécution d’Anne Boleyn.

Le règne bref mais significatif de la reine Jane a mené à la naissance d’un héritier mâle, Edward VI, dans des circonstances très difficiles. La ballade anglaise « The Death of Queen Jane » parle de la mort de Jane Seymour après la naissance du prince Edward. La plupart des versions du chant se terminent par le contraste entre la joie de la naissance du Prince et la douleur de la mort de la Reine. Aucune preuve directe ne démontre exactement comment Jane Seymour a accouché, mais la vision populaire d’une naissance par césarienne est peu probable, quoique omniprésente dans les versions de la pièce. En général, on opérait seulement une mère déjà décédée, dans l’espoir désespéré de sauver l’enfant. On croit historiquement que le prince Edward est né naturellement et que sa mère a succombé à une infection et est morte 12 jours plus tard.

La chanson « The Death of Queen Jane » subsiste encore aujourd’hui en grande partie grâce à l’œuvre de Francis James Child (1825-1896). Child était un érudit, un éducateur et un folkloriste américain, surtout connu pour sa collection de ballades anglaises et écossaises maintenant connues sous le nom de Child Ballads. « The Death of Queen Jane » est la Child Ballad 170. La première apparition de la chanson semble être une publication appelée The Lamentation of Queen Jane, sous licence en 1560.

Dans la bibliothèque de Harvard, Child a accumulé l’une des plus grandes collections de folklore qui existent, a étudié des manuscrits plutôt que des versions imprimées de vieilles ballades, et a étudié des chansons et des histoires dans d’autres langues qui étaient liées aux ballades anglaises et écossaises. Son dernier recueil, intitulé The English and Scottish Popular Ballads, contient 305 ballades. Les mélodies de la plupart de ces ballades ont été recueillies et publiées par Bertrand Harris Bronson (1902-1986), professeur au département d’anglais de l’Université de Californie à Berkeley, dans et autour des années 1960.

Richard Séguin – voix, guitare acoustique, mandoline

Pour entendre la pièce, cliquez sur le titre de la chanson ci-bas.

The Death of Queen Jane

« Queen Jane Approximately » est une chanson de Bob Dylan tirée de l’album intitulé « Highway 61 Revisited », publié en 1965. L’autoroute 61 s’étend de la Nouvelle-Orléans, en Louisiane, jusqu’au Wyoming, au Minnesota, traversant tout le pays du nord au sud. L’autoroute est souvent appelée la Blues Highway en raison de sa longue histoire dans la musique blues, une partie de la route étant allongée sur le Blues Trail du Mississippi.

En 1965, j’avais déjà commencé à jouer de la guitare, tout comme deux de mes meilleurs amis, Martin Cunningham et Pierre Lafleur. Un autre ami, Roch Tassé, jouait de la batterie et joue toujours sur ce site. On a formé une orchestre qu’on a nommé les Ravens. Tous les quatre, nous étions habillés en noir – cols roulés noirs, pantalons noirs, bas noirs, souliers noirs. Plus de 50 ans plus tard, mes amis de jeunesse sont toujours mes amis. Des amis pour la vie.

Au fil des annés, il y a eu beaucoup de spéculations sur l’identité de la reine Jane, les options populaires étant lady Jane Grey, qui a occupé le trône d’Angleterre pendant 9 jours et a été décapitée pour trahison en 1553 alors qu’elle était encore adolescente; Jane Seymour, reine d’Angleterre et troisième épouse d’Henri VIII qui mourut en couches en 1537; et Joan Baez, chanteuse populaire des années 60 romantiquement liée à Dylan.

« Queen Jane Approximately » est l’une des nombreuses chansons de Dylan de l’époque qui comportaient des adverbes et d’autres qualificatifs dans leurs titres. Des exemples sont « Absolutyely Sweet Marie », « Obviously 5 Believers », « Most Likely You Go Your Way And I’ll Go Mine », « Positively Fourth Street » et d’autres. Dylan n’a jamais révélé la raison de cette préoccupation particulière.

En 1965 et 1966, Dylan a sorti trois albums qui allaient changer à jamais le visage de la musique contemporaine. « Bringing It All Back Home », « Highway 61 Revisited » et « Blonde On Blonde » ont constitué le cœur du meilleur travail de Dylan. Musicalement, il a collaboré avec les meilleurs musiciens de studio de Nashville ainsi qu’avec des dignitaires du rock et du blues de The Band et du Paul Butterfield Blues Band. Sur le plan lyrique, les mots venaient d’un autre monde, un qui a finalement été reconnue pour son éclat unique et qui a valu à Dylan le prix Nobel de littérature 2016. « Queen Jane Approximately » fait partie intégrante de cette production imposante qui rivalise et dépasse même celle de n’importe quel artiste dans n’importe quelle discipline.

Richard Séguin – voix, guitare électrique, contrebasse électrique
Martin Cunningham – guitare acoustique
Roch Tassé – batterie

Pour entendre la pièce, cliquez sur le titre de la chanson ci-bas.

Queen Jane Approximately

« Blues My Naughty Sweetie Gives To Me » a été écrit en 1919 par Carey Morgan (1884-1960), Charles McCarron (1891-1919) et Arthur Swanstrom (1888-1940), des compositeurs et paroliers de Tin Pan Alley. La pièce fut enregistrée la même année par le chanteur Irving Kaufman (1890-1976), un artiste très populaire qui a chanté avec des grands noms du jazz comme Bix Beiderbecke (1903-1931) et Eddie Lang (1902-1933). Tin Pan Alley fait référence à un quartier de New York où les éditeurs de musique, les paroliers et les auteurs-compositeurs opéraient à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle.

La fin de la Grande Guerre apporta beaucoup de jubilation au public américain et, en peu de temps, les années folles et l’ère du jazz ont fait leur entrée impudente. La transition fut rapide et vertigineuse. La musique de l’immédiat après-guerre favorisait encore les refrains sentimentaux et souvent banals du vaudeville avec des nuances de ragtime mais, en 1925 et les premiers enregistrements électriques de musique populaire, cette sentimentalité avait disparu et avait été remplacée par une sorte de fête très contemporaine. De nombreuses chansons du début de l’après-guerre, comme « Blues My Naughty Sweetie Gives To Me », employaient une intro lente aux délibérations plus animées qui suivaient, mais ces intros ont rapidement été abandonnées et n’ont pas refait surface dans aucun enregistrement subséquent.

J’ai entendu « Blues My Naughty Sweetie Gives To Me » pour la première fois dans les années 1960, dans le cadre du répertoire extraordinaire du Jim Kweskin Jug Band. C’était une pièce courte et dynamique, livré avec enthousiasme par le groupe. Ce n’est que par ma recherche sur l’œuvre que j’ai finalement entendu l’intro qui faisait partie de sa première incarnation. L’intro est certainement datée et je peux même comprendre pourquoi tout le monde a décidé de l’ignorer depuis les derniers 100 ans. Cependant, je ne suis certainement pas d’accord avec la pratique.

L’histoire, dans toute discipline, est le dépositaire de toutes les connaissances humaines. C’est tout ce que nous avons. Par conséquent, il est à mon avis une très grave erreur de le réécrire ou de modifier les faits de quelque façon que ce soit. Si un langage musical tombe en défaveur à une époque plus moderne, n’est-ce pas le comble de l’arrogance que de simplement l’effacer? Les gens contemporains sont-ils supérieurs à ceux qui sont venus avant? Il n’est donc pas surprenant que j’ai choisi de jouer « Blues My Naughty Sweetie Gives To Me » dans sa forme originale, avec son intro peut-être banale pour certains mais tout à fait légitime.

Richard Séguin – voix, mandoline, guitare acoustique, contrebasse électrique, kazoo

Pour entendre la chanson, cliquez sur le titre ci-dessous.

Blues My Naughty Sweetie Gives To Me

Les années 1960 étaient une époque très différente où les musiciens populaires ne dansaient pas. Ils n’avaient pas à s’habiller de vêtements bizarres, ni jouer dans des arènes gigantesques avec des spectacles de lumière et des présentations multimédias. Ils se tenaient debout ou assis, jouaient leurs instruments et chantaient dans un microphone. Et presque tous avaient quelque chose à dire.

Je me souviens quand la nouvelle d’un chanteur du nom de Bob Dylan est arrivée au Canada. J’avais 13 ans. Le mot partout était qu’il chantait des choses socialement importantes que les gens de ma génération apprécieraient : la paix, les droits civiques et la conviction universelle que les jeunes changeraient le monde. Puis, en 1965, quand personne ne s’y attendait, les choses ont réellement changé.

Auparavant, les chansons de Dylan étaient simplement mises devant toi – rien n’était caché, rien n’était obscur. Mais un changement a commencé à nous assombrir avec l’album « Bringing It All Back Home », en 1965, qui présentait des chansons très différentes et même troublantes. Les paroles ont commencé à être plus surréalistes et non linéaires. Quand j’ai entendu « Gates of Eden » sur cet album, je me suis demandé où nous menait cette toute nouvelle direction musicale. J’étais un jeune intélligent de 15 ans, mais je ne comprenais pas la juxtaposition de mots anglais simples qui coulaient dans un paysage étrange de nuages forestiers à quatre pattes, de lampadaires avec les bras croisés et des griffes de fer, de bébés gémissants, de navires avec des voiles tatouées, de nains en flanelle grise, tout cela exposé à l’extérieur des portes d’Eden, où aucun son ne s’ échappait, un endroit où il n’y avait pas de rois, pas de péchés, pas d’épreuves. Venu sur les traces des chansons précédentes de Dylan, quelque chose d’aussi obscur que « Gates of Eden » ne convenait tout simplement pas.

Personne ne s’attendait à ce que Dylan sorte 34 chansons, à l’exclusion de 14 autres compositions et des singles comme « Positively 4th Street », sur trois albums distincts (« Bringing It All Back Home », « Highway 61 Revisited » et « Blonde On Blonde », un album double), en un peu plus d’un an. Cette production artistique inégalée a formé le cœur de l’impact extraordinaire que Dylan a eu sur la culture contemporaine et a créé un chemin menant directement à son prix Nobel de littérature, décerné en 2016.

Il faut noter que certaines de ces chansons duraient plus de 10 minutes, ce qui était controversé à l’époque. Les chansons de plus de 3 minutes ne correspondaient pas à la plateforme commerciale d’une station de radio. Pour échapper à cette contrainte, certains disc-jockeys ont créé ce qu’on connaissait comme la « radio underground », où de longues chansons plus controversées étaient jouées, souvent au petites heures du matin. À Ottawa, la contribution de Brian Murphy, qui a créé une émission de nuit les fins de semaine appelée Free Form Radio sur la station CKBY-FM d’Ottawa, doit être soulignée et appréciée.

Je me suis souvent demandé où cette explosion de conscience de Dylan aurait pu le mener, n’eût été d’un accident de moto qui l’a laissé avec une vertèbre cassée et une commotion cérébrale, le 29 juillet 1966. Il ne fut jamais le même par après et beaucoup disent que l’accident l’a empêché de poursuivre son style de vie auparavant imprudent et potentiellement destructeur. Certes, les chansons ultérieures de Dylan, dont beaucoup sont superbes à part entière, n’ont jamais égalé les pièces de ces trois albums du milieu des années 60. J’ai l’intention de revenir sur cette époque exquise dans mes prochaines publications sur le site.

Mon arrangement de « Gates of Eden » met en vedette notre trio, avec Roch Tassé à la batterie et Alrick Huebener à la basse. Nous jouons « Gates of Eden » en l’honneur de trois des musiciens les plus remarquables de notre époque, soit Pat Metheny (guitare, né en 1954), Jaco Pastorius (basse, 1951-1987) et Peter Erskine (batterie, né en 1954).

Richard Séguin – voix, guitare 12-cordes acoustique
Alrick Huebener – contrebasse électrique
Roch Tassé – batterie

Gates of Eden

Lorsque les Rolling Stones ont fait leur entrée en Amérique du Nord en 1964, ils ont apporté avec eux du blues et du R&B américain, avec quelques compositions originales, le tout aussi cru et électrique que possible. À mesure que la décennie avançait, de nombreux groupes de rock, tant américains que britanniques, ont commencé à tempérer leur répertoire électrique avec des chansons plus acoustiques, probablement une autre influence de Dylan.

« Sitting on a Fence » a été enregistré à la fin de 1965, à Los Angeles, pendant les sessions de l’album « Aftermath », mais n’a pas été publié dans les éditions britanniques ou américaines de cet album. La chanson est arrivée en Amérique du Nord sur l’album « Flowers » à l’été de 1967, le très médiatisé « Summer of Love » qui a introduit le phénomène social des « hippies » au monde. La chanson était un départ pour les Stones, avec une instrumentation à saveur de bluegrass.

Je me souviens d’avoir entendu les paroles de la chanson et d’avoir pensé que, quand j’étais jeune, j’étais l’opposé direct du personnage de Jagger qui chantait la chanson. Ma sœur aînée m’apportait parfois une petite bagatelle d’un rendez-vous à Ottawa avec son futur mari, une petite boule de caoutchouc bleu, blanc, rouge ou un petit animal en peluche. C’était le paradis pour moi – les enfants de notre grande famille n’avaient pas l’habitude d’être choyés. J’ai également été élevé catholique, donc, contrairement aux paroles de la chanson, j’étais très facile à plaire et je savais définitivement la différence entre le bien et le mal.

Quand j’ai eu 18 ans, les choses avaient changé. Je n’avais aucune idée de ce que je ferais de ma vie et je ne me voyais pas comme un adulte, vivant seul, se mariant, élevant une famille. Les rêves que j’avais nourris s’étaient dissipés avec les nombreux revers de ma vie – « les frondes et les flèches de la fortune outrée », comme le dit si brillamment Shakespeare. Je me suis retrouvé assis sur une clôture. Je ne pouvais pas m’engager, j’étais en colère et déçu, et je me suis tout simplement résigné à aller là où ma vie m’emmènerait. Je n’ai pris aucune décision pour la prochaine décennie. Donc, cette chanson qui était si différente de moi quand j’étais jeune, a fini par me faire comme un gant en tant que jeune adulte.

Je dédie cette chanson à tous les hommes, femmes et enfants des comtés unis de Prescott et Russell, dont beaucoup ont été durement touchés par notre récente tempête dévastatrice. D’après ce que j’ai vu au cours de mes visites, je sympathise particulièrement avec les municipalités de Hammond et de Bourget, où la dévastation est vraiment très dure.

Richard Séguin – voix, guitares acoustiques, mandoline, contrebasse électrique

Sitting on a Fence